추상 미술 : 역사, 특성, 회화 - 미술

추상 예술은 자연에 완전히 다른 공간을 만들기 위해, 실제 표현에서 분리 어떤 예술 양식입니다. 이 추상적 인 느낌은 점, 선 및 순수한 색상뿐만 아니라 다양한 기하학적 모양을 사용하여 얻을 수 있습니다.

예술적 흐름으로서의 추상화주의는 비구상 적 예술로도 알려져있다. 이것은이 스타일이 전통적 대표 예술과 접촉 할 지점이 없다는 것을 의미한다. 그럼에도 불구하고 현실과의 이러한 거리는 그것을 부정하는 것을 의미하지 않고 오히려 반대 또는 대조를 제안합니다.

기수, 1911 년 바실리 칸딘스키

감정가들에 따르면 추상 미술을 이해하려면 형상과 추상을 구분하는 방법을 알아야합니다. 왜냐하면 그것들은 완전히 반대되는 개념이기 때문입니다. 이 때문에 이러한 예술적 개념이 동화되면 추상적 인 작품과 비유적인 작품을 구분하기 쉽다.

추상화와 형상

추상화 현상은 생성 된 요소를 현실에 존재하는 어떤 요소와도 연관시킬 수 없을 때 나타납니다.

예를 들어, 나무의 이미지를 가져 와서 흐리거나 수정하면이 예술적 게임은 추상화로 간주 할 수 없습니다. 이미지는 여전히 원래 인물의 본질을 유지하기 때문입니다. 즉, 비 유적입니다.

반면에 실제 참조가없는 이미지는 추상화로 간주 할 수 있습니다. 추상 미술 분야에는 기하학적 추상화, 형식주의 및 표현주의 추상화와 같은 여러 측면이 있습니다. 그러나 그들은 모두 실제 지시 대상이 없다는 점에서 관련이 있습니다.

꿈과 관련된 인물은 꿈과 악몽 (예 : 유니콘)에서 초현실적 인 이미지가 발생할 수 있다는 사실에도 불구하고 여전히 현실에서 찾을 수있는 참조를 유지하고 있기 때문에 추상화로 간주 할 수 없습니다. 유니콘, 뿔이 달린 말입니다).

비유 세계로부터의 거리

추상화주의는 예술계를 근본적으로 변화 시켰는데,이 사건 이전에는 19 세기와 20 세기 동안 인상주의와 같은 다른 운동을 통해 형태가 흐릿 해지기 시작 했음에도 불구하고 예술이 형상의지도 아래 유지 되었기 때문입니다. , 포스트 인상파 및 입체파.

사람이 동굴에 그림을 그렸을 때부터 예술은 현실을 표현하기위한 탐구로 남아있었습니다.

20 세기까지 작가는 자신의 환경과 맥락에서 자신을 분리 할 수 없었기 때문에 추상 미술은 큰 사회적 변화와 미적 재건을 열망하는 역사적 순간의 인식을 열 수있었습니다.

추상은 음악과 연관 될 수 있습니다. 사운드는 비유적일 수 없기 때문입니다 (음악 명명법에도 불구하고). 색상과 모양도 추상적이므로 반드시 실제 발신자가있을 필요는없는 광범위한 가능성을 제공합니다.

기원과 역사

추상 미술은 입체파와 포비 즘과 같은 초기 운동에서 유래했습니다. 그러나 특히 실제 물체의 표현과 색상에 대한 시각적 인식을 구분하는 출발점 역할을 한 그림이 하나 있습니다.

이 작품은 화가 James McNeill Whistler의 작품이며 제목은 Night in Black and Gold : The Falling Rocket입니다. 1874 년의이 그림에서는 다양한 어두운 색상을 볼 수 있으며 인간의 형태 나 건축 구조를 직접 찾기가 어렵습니다.

쉽게 이해할 수있는 것은 빛과 그림자의 붓놀림과 불꽃 놀이를 연상시키는 황금색 포인트입니다.

입체파, 표현주의 및 포비 즘의 영향

파블로 피카소와 조르주 브라크의 작품이 등장하면서 기하학적 형태와 납작한 색상에 강렬한 입장이 허용되었습니다. 마찬가지로, Paul Cézanne도 대체 현실의 창조에 도전했습니다. 즉, 그는 비유의 재구성 작업을했습니다.

차례로 표현주의 예술가들은 색채 팔레트와 모양의 강도를 기괴한 방식으로도 활용하기 위해 스스로를 취했습니다. 그의 그림은 비평가들에게 열정의 넘침으로 간주되며 큰 사회적 경악의 시대 이전에 반동적 인 방식으로 나타납니다.

마찬가지로, Edward Munch의 The Scream과 같은 작품은 나중에 20 세기의 추상 또는 비구상 예술이 된 것을 개발하는 데 필수적입니다. James Ensor의 The Entry of Christ into Brussels이라는 제목의 그림도 고려됩니다.

Paul Gauguin, Henri Matisse 및 Georges Seurat와 같은 다른 위대한 아방가르드 지수는 나중에 추상화주의의 가장 위대한 대표자가 된 Vasili Kandinsky에게 중요한 영감으로 간주됩니다.

다른 붓놀림과 함께 원시 색상의 언어가 유명한 개척자에게 큰 영향을 주었기 때문입니다.

Baudelaire에서 Mallarmé까지 : 대상과 거리를 두십시오.

글쓰기의 세계에서, 실제 참조를 확립하고 끝내는 목적으로 다양한 움직임이 양조되었습니다. 문자 분야에서이 분리는 조금 더 어려웠습니다. 인간의 마음에서 단어는 항상 참조 대상에 의해 지원되기를 원하기 때문입니다.

그러나이 시인들은 단어의 음향 적 이미지를 통해 형식의 내재 성과의 연결을 이루고 그것이 말하는 개념에서 분리되었다.

근대성의 위대한 시인 Charles Baudelaire는 모든 감각이 특정 예술적 자극에 반응한다는 아이디어의 씨앗을 뿌리는 일을 담당했습니다. 이는 인간의 잠재 의식 내에있는 깊은 미학적 수준으로 연결되기 때문입니다.

즉, 모든 예술은 실제 지시 대상에 응답 할 필요없이 눈, 귀 및 지각하는 사람의 마음에서 특정 감각을 깨울 수있는 능력을 가지고 있습니다.

마찬가지로, Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud 및 Guillaume Apollinaire와 같은 유명한 프랑스 시인은 단어 소리의 즐거움과이 단어가 단어를 참조하지 않고도 독자에게 연상시킬 수있는 것에 초점을 맞추기 위해 참조 형식에서 거리를 두려고했습니다. 개념.

이것은 독자의 정신 구조를 수정하여 설정된 매개 변수에서 분리되고 음절의 소리를 통해 서로 다른 감각을 결합하고 만들려고한다는 것을 의미합니다. 따라서 그것은 글쓰기의 추상화입니다.

Claude Debussy의 음악적 수채화

나중에 추상 미술이었던 음악의 조상은 위대한 작곡가 클로드 드뷔시 (Claude Debussy)로, 그의 음악 작품은 인상파 화가와 후기 인상파 화가의 붓놀림을 모방 한 것 같습니다.

같은 방식으로,이 작곡가는 상징주의 운동과도 관련이 있습니다. 그의 음표는 강한 우화 적 주장으로 구성되어 있고, 동양의 주목할만한 영향을 수반했기 때문입니다.

이는 드뷔시와 에릭 사티와 같은 뮤지션들에게 일상에서 관찰되는 오브제는 훨씬 더 깊은 현실에 반응하는 상징 일 뿐이며, 색상과 움직임이 수반되는 소리를 통해 인간에게 나타납니다. .

추상 미술의 특성

본질을 포착하려고

다른 측면이 있지만 추상화주의 운동은 주로 사물의 원시적 본질을 찾는 것이 특징입니다.

따라서 추상 미술은 가장 순수한 수준에서 의식과 무의식에 대한 탐구를 예술적 표현에 포착하려고 시도합니다.

자유

또 다른 주요 특징은 기술과 요소의 적용의 자유와 이러한 자원의 중요성입니다.

예를 들어, 이것은 색상 분야에 분명히 적용됩니다. 색상은 실제 개념을 참조 할 필요없이 고유 한 예술적 표현력을 가지고 있습니다.

실제 형태의 부재

추상화주의에는 실제 형태가 부족합니다. 전체적인 형태의 단순함을 어필하는 스타일이기 때문에 기하학적 인 도형 만 사용됩니다.

페인트 등

-바실리 칸딘스키

많은 비평가들에게 추상 미술은 Vasili Kandinsky의 작품으로 시작됩니다. 그러나 1910 년에 일부 프랑스의 결이있는 대리석이 유명 해졌고 이는 추상화의 시작으로 간주 될 수 있습니다.

그러나 감정가들에 따르면 예술사에서 칸딘스키의 중요성은 부인할 수 없습니다. 이 화가는 동양의 피의 유산을 가지고 있었으며,이를 작품의 영감으로 사용했습니다.

또한, 같은 예술가는 모스크바의 신화적인 성당에서 영감을 받았다고 인정했습니다. 그에 따르면 도시의 화려한 건축물은 외형의 예술적 충돌로 구성되어 조화로운 미학과 문화적 내부 성을 반영한다고한다.

그의 예술 작업 동안 Kandinsky는 원시적 형태의 본질에 대한 탐색을 옹호했습니다. 이러한 이유로 그의 작업은 색, 지각, 감각의 세 단어로 요약 될 수 있습니다.

결과적으로, 추상 미술은 절대의 신비한 조건을 전제하는 양보라는 것이 입증 될 수 있습니다. 즉, 지속적인 이념적, 철학적 진화에 전념하고 있습니다.

기수, 바실리 칸딘스키

첫 번째 추상 수채화

이 세 가지 가정의 미학적 총체 성을 달성하기 위해 저자는 그림 작업 내의 점-기본 요소-, 선, 평면 및 색상과 같은 기본 플라스틱 요소의 사용을 장려했습니다.

이러한 요소 사이의 연관성과 연결을 통해 그는 인간의 눈에 대한 새롭고 다른 인식 또는 감각을 얻었습니다.

이를 고려하면 추상 미술은 칸딘스키의 첫 번째 추상 수채화로 1910 년에 탄생했다고 할 수 있습니다. 이 그림에서 현실과 관련이없는 채색 된 형태, 선 및 플라스틱 값을 볼 수 있습니다. 즉 비구상 적 요소로 구성된 작품이다.

또한이 작품을 자세히 들여다 보면 그림이 주로 파란색과 빨간색의 원색과 이차색으로 구성되어 있음을 알 수있다. 칙칙한 톤의 브러시 스트로크도 두드러져 다른 색상의 생동감과 대비됩니다.

칸딘스키 추상 수채화

-피에트 몬드리안

이 유명한 네덜란드 화가는 추상화주의의 시작에 특화하지 않았지만 처음에는 자연주의와 상징주의와 같은 다른 스타일을 작업했습니다. 다양한 스타일에도 불구하고 그의 조형 예술은 그의 철학적 영적 연구의 영향을 받았습니다.

사물의 핵심적인 본질을 찾기 위해 몬드리안은 자신의 그림에서 우주의 기본 구조를 찾기 위해 기하학적 추상을 특정 방식으로 수행했습니다.

이러한 이유로 그의 작업은 주로 빛과 모든 색의 존재로 인해“무색”으로 간주되는 흰색과“아니오”로 간주되는 검정색으로 표시됩니다. 색상”빛이 전혀없고 모든 색상이 존재하기 때문입니다.

그의 가장 유명한 작품 중 하나는 추상 건축과 관련이 있으며 1921 년에 그가 만든 빨간색, 노란색, 파란색 및 검은 색의 구성이라는 제목의 그림입니다.

여기에서 다양한 크기와 색상의 일련의 직사각형 그림을 볼 수 있습니다. 그러나 팔레트는 매우 기본적이고 기본적입니다. 이름에서 알 수 있듯이 표현 주의자 Mark Rothko의 그림을 연상시킬 수있는 빨간색, 노란색, 파란색 및 검은 색 색상입니다.

빨강, 노랑, 파랑 및 검정 구성, Piet Mondrian

조각

추상주의 운동에서 조각은 그리 멀지 않았다. 사실, 그것은 스타일 내에서 참신함을 도입했습니다 : 3 차원. 이것은 추상 회화에서 인물은 항상 평평하고 조각에서는 형태의 깊이가 촉진되기 때문에 발생했습니다.

-헨리 무어

주요 지수 중 하나는 영국의 조각가 헨리 무어 (Henry Moore) 였는데, 같은 예술가에 따르면 흑백 인물은 움직임이 있고 약간의 낭만적이고 빅토리아 시대의 영감을 유지하는 것처럼 보입니다.

Moore는 또한 Giotto, Michelangelo 및 Giovanni Pisano와 같은 위대한 르네상스 예술가의 영향을 받았다고 인정했습니다. 또한, 저자는 콜럼버스 이전의 Toltec 및 Mayan 조각의 형태에 놀랐습니다.

그것의 많은 추상적 인 형태는 주로 대리석과 청동으로 조각되었습니다. 경력 초기에 Moore는 직접 조각을 적용했습니다. 그러나 1940 년대에 조각가는 석고 또는 점토 성형으로 시작하기로 결정하고 전통적이고 고대의 "잃어버린 왁스"성형을 적용했습니다.

파도

그의 조각품은 기복이있는 형태와 빈 공간을 사용하는 것이 주된 특징이며, 비평가들에 따르면 그는 고향 인 요크셔의 영국 카운티 풍경에서 얻은 영감을 얻었습니다.

추상 회화가 비유의 제거를 옹호한다는 사실에도 불구하고 헨리 무어의 작품에서는 인간의 모습과 완전히 분리되지 않은 추상을 인식 할 수 있습니다. 여성의 신체와 모성 인물의 표현을 구별 할 수도 있습니다.

Moore의 가장 잘 알려진 작품 중 하나는 1964 년에 제작 된 토론토 시청 광장에 위치한 Three Way Piece No. 2입니다.

이 단색 조각 작품은 그 모양이 실제 참조와 직접 연결될 수 없기 때문에 추상화의 계율에 가장 잘 맞는 조각 중 하나입니다.

Three Way Piece No. 2 (The Archer) (1964-65) 토론토 시청 광장

-리차드 세라

추상 조각의 또 다른 위대한 지수는 미국 국적의 유명한 플라스틱 예술가 Richard Serra입니다. 아직 살아있는이 예술가는 우리 시대 최고의 조각가 중 한 명으로 평론가들로부터 꼽 힙니다.

Serra는 거대한 백금 강철 조각으로 작업하는 것을 선호하는 미니멀리스트 캐릭터의 조각가로, 그의 미적 작업을 더욱 훌륭하게 만듭니다.

예술가의 첫 번째 단계는 주로 녹은 납 재료를 사용했던 추상화 주의적 이상에 가장 잘 부합하는 단계입니다.

제강소

그는 또한 큰 직사각형 강철 구조물을 만드는 것으로 유명합니다. 가장 유명한 것 중 하나는 소위 기울어 진 호 (Tilted Arc)로 3.5 미터 높이에 암시적이고 미묘한 곡률이 있습니다. 이 조각품은 오늘날 뉴욕의 연방 광장에서 볼 수 있습니다.

예술 평론가들로부터 높은 평가를받는 또 다른 추상 조각은 Snake로 알려져 있는데, 이는 곡률도있는 강철 3 층으로 구성되어 있습니다 (기하학적 형태의 곡선이이 작가의 가장 대표적인 특징입니다). 작품은 빌바오 구겐하임 미술관에 있습니다.

Serra의 가장 잘 알려진 작품 중 하나는 The Matter of Time으로, 예술가가 선호하는 재료 인 코르 텐 강철로 만든 7 개의 놀라운 대형 조각품으로 구성되어 있습니다.

이 인물들은 완전히 둥글고 비스듬한 모양으로 구성되어 있으며, 자연의 모양과 인간 구조로서의 둥글고기만적인 시간의 성격을 연상시킵니다.

기울어 진 호

건축물

20 세기 동안 본질과 원시적 형태에 대한 탐색은 건축 분야에서도 나타났습니다. 이러한 이유로 추상 건축에서 기하학적이고 평평한 인물이 지배적이며 미니멀리스트 스타일로 수행됩니다.

동시에,이 미학 스타일에 속하는 건축은 형태의 진정한 가치에 접근하여 혼돈과 일상적인 현실의 임의성에서 분리하려고 시도합니다. 이러한 요소 내에서 건축 작품은 자연에서 영감을 얻었지만 예술적 정신의 단순성을 찾는 데 점점 더 많이 등장합니다.

건축에서는 조각과 같이 입체적인 형태의 실현이 필요하기 때문에 회화 적 추상화의 원리를 조정하는 것이 필요하다. 또한, 인프라를 구축하기 전에 작가는 자신이 만들고자하는 형태가 구체적인 현실에서 이루어질 수 있는지 의문을 가질 필요가있다.

일반적으로 추상 아키텍처는 큰 직사각형 창과 단순하고 단단한 정사각형 모양으로 구성됩니다.

-Mies van der Rohe

가장 잘 알려진 추상 건축가 중 한 명은 독일계 미국인 Mies van der Rohe로 현대 건축에서 가장 중요한 예술가 중 한 명으로 역사에 남았습니다. 그는 유명한 독일 바우 하우스 학교의 책임자였습니다. 그러나 그는 나치즘의 진입으로 사무실을 그만 두어야했다.

그것의 아키텍처는 단순성과 명확성, 추상화주의의 매우 전형적인 특징으로 인정 받고 있습니다. 또한 작가가 선호하는 재료는 산업용 강철과 눈에 띄는 유리 시트였으며,이를 파사드 내부에 사용했습니다.

그의 가장 유명한 작품 중 하나는 바르셀로나에 있으며 1929 년에 완성 된 독일 관의 이름을 따서 명명되었습니다. 건축은 단순한 기하학적 도형으로 구성되어 있으며 적당한 크기로 인해 주목을 받고 있습니다. 그것은 자유로운 식물로 구성되어 있으며 Neoplasticism의 주목할만한 영향을 유지합니다.

독일어 Pabello. Tassilirosmar, Wikimedia Commons에서

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld는 건축뿐만 아니라 목공 및 디자인에서도 두각을 나타내었기 때문에 다른면을 가진 유명한 플라스틱 예술가였습니다. 1918 년의 Red and Blue Chair와 같은 그의 식기 디자인은 당시의 전형적인 요소로서 현대적이고 기하학적 인 특성을 나타냅니다.

그의 가장 유명한 건축 작품이자 추상적 인 미학과 가장 유사한 것은 1924 년에 지어진 소위 Rietveld Schröder House입니다. 오늘날 이곳은 박물관으로 사용됩니다.

그 특성에 관해서는 집의 내부와 외부 모두 이전의 모든 건축 매개 변수와 함께 변경을 의미합니다. 따라서 작업의 중요성.

집 안에는 방이없고 넓게 열린 공간 만 있습니다. 외부 정면은 선과 평면으로 구성되어 있으며, 다른 것을 만들기 위해 간격과 색상이 있습니다.

Rietveld Schröderhuis. Wikimedia Commons에서 Basvb 작성

음악

첫 번째 단락에서 언급했듯이 음악 자체는 추상적이라는 사실을 기억하는 것이 중요합니다. 악보에 대한 상징적 명명법이 있어도 비유적일 수 없기 때문입니다.

따라서 추상적 인 음악은 예술적 운동으로 존재할 수 없습니다. 그러나 절대 음악이라는 이름으로 알려진 음악 스타일이 있는데, 추가 음악적 추가가없는 음악 작품으로 구성됩니다. 즉, 어떤 텍스트에도 연결되어 있지 않습니다.

다시 말해서 절대 음악에는시와 가사가없고 단지 악기 구성 일뿐입니다. 따라서 가사가없는 모든 음악은이 장르에 속하는 것으로 간주 할 수 있습니다. 소나타, 교향곡 또는 콘서트에서 몇 가지 예를 찾을 수 있습니다.

20 세기에는 음악적 예술적 혁신을 돋보이게했으며 추상화주의의 시작과 함께한 여러 작곡가가있었습니다. 가장 눈에 띄는 것은 Igor Stravinsky와 Maurice Ravel입니다.

-이고르 스트라빈스키

스트라빈스키는 20 세기 최고의 음악가 중 한 명으로 여겨지는 러시아 국가 지휘자이자 작곡가였습니다. 89 세까지 살면서 그는 다양한 음악적 측면을 탐구 할 기회를 가졌습니다. 그러나 그의 가장 인정받는 작품은 그의 예술 경력의 첫해에 만들어진 것입니다.

그의 가장 유명한 작품 중 하나는 1910 년 파리에서 처음으로 초연 된 발레 The Firebird입니다.

-모리스 라벨

Claude Debussy와 마찬가지로이 유명한 프랑스 작곡가는 동양적인 영향과 소리를 통한 색채의 연상이 특징 인 소위 인상파 음악에서 두드러졌습니다. Ravel은 또한 표현주의와 신고전주의의 특성을 유지했습니다.

이 뮤지션은 다양한 작품으로 호평을 받고 있으며 그의 가장 많이 연주 된 작품 중 하나는 1928 년 파리에서 초연 된 볼레로입니다. 그 순간부터이 작곡의 성공은 거대하고 보편적이었습니다. 그의 오케스트라 무브먼트는 당시 매우 인기가 있었던 열띤 스페인 댄스에서 영감을 받았습니다.

참고 문헌

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