바로크 : 역사, 특성 및 예술 (건축, 회화) - 미술 - 2025

바로크는 인간의 지식의 형태 내에서 강력한 변화를 상징하는 17 세기의 예술과 사상 운동이었다. 그것은 르네상스 사상과의 거리를 암시하고 중세 시대의 종교적 뉘앙스를 취했습니다. 그는 자신의 관점에서 모더니티의 도래를 예견하는 요소를 추가했습니다.

역사를 통틀어이 개념이 부정확성과 오해로 가득 차 있었기 때문에 바로크를 전체 시대의 인식으로 이해하는 것은 연구자와 역사가들에게 복잡했습니다. 그러나 바로크 양식의 참고 문헌은 수년에 걸쳐 증가하여 오래된 오해를 근절 할 수 있습니다.

산 페드로 대성당은 바로크 양식의 대표적인 작품 중 하나입니다. 출처 : pixabay.com

바로크는 그 계율과 이상이 문학적, 음악적 영역에서 발견 될 수 있기 때문에 조형 예술을 넘어서 영역을 확장 할 정도로 거대한 운동이었다. 예를 들어, 타소는 일부에 의해 바로크 시인으로 간주되고 바흐는 바로크 음악에서 가장 대표적이고 영향력있는 인물이라고 주장합니다.

마찬가지로 바로크를 예술적 운동으로 특징 짓는 측면 중 하나는 르네상스 가치의 분해로 촉발 된 깊은 정신적, 도덕적 위기의 결과이자 표현이라는 점이었습니다.

다시 말해서, 이미 17 세기에 르네상스 인의 세계관은 회복 할 수없이 퍼져 나갔고, 그래서 바로크는 그 종합과 이전에 잃어버린 세계관을 다시 찾는 것을 의미했지만, 과장과 깊은 종교적 열정을 통해서였습니다. 그것은 전체 시대의 실존 적 공허함을 엿볼 수있었습니다.

르네상스 시대의 이상과 총체 성의 결여에도 불구하고 바로크 양식은 뛰어난 참신함을 도입 할 수있는 한 특별한 지식의 한 형태였습니다. 이 운동은 풍요 로움, 과도하고 거대 함을 실천하는 일련의 예술적 힘의 성장, 전파를 상징합니다.

바로크 양식의 중요성은 오늘날에도 여전히 시인, 화가 및 기타 예술가들이 특정 시간뿐만 아니라 표현을 찾고 있던 후기 시대에 속한 여러 세대를 완전히 표시하는이 스타일을 복사하고 캡처하려는 다른 예술가가 있습니다. 매우 다른 예술적 것들.

기원과 역사

어원

단어의 어원에 "바로크"수많은 이론이 제기 한 : 그것은 화가 페데리코 바로 치의 성에서 오는 약간의 긍정 , 가설이 정의는 이탈리아어로 부정을 의미하고 단어 barocchio에서 오는 방어하고 있지만 고리 대금.

가장 일반적인 가설 중 하나는 "바로크"가 바로 코라는 단어에서 비롯된 것으로, 이는 학문적 논리 내에서 주요 전제가 긍정적이고 보편적 인 삼단 론을 지정하는 데 사용 된 반면, 부전 제는 특별하고 부정적이라는 것을 확인한 것입니다.

이것은이 가설 내에서 "바로크"라는 단어는 보편적이고 좋은 것을 의미합니다 (강한 종교적 뉘앙스가 함침 됨). 이러한 관점은 Carlo Calcaterra와 Benedetto Croce와 같은 저명한 학자들이 옹호했습니다.

마찬가지로 바로크라는 단어는 학자적 논리를 경멸하는 르네상스에 속한 인본주의 부문에서 만든 경멸적인 용어를 얻었으며, 그들의 추론이 터무니없고 우스꽝 스럽다고 주장했습니다. 따라서 바로코의 주장은 거짓되거나기만적인 생각을 의미했습니다.

나중에이 표현은 전통적 인본주의 자들의 눈에는 우스꽝스럽고 거짓된 새로운 스타일을 지정하기 위해 예술계로 옮겨졌습니다.

불규칙한 진주

이전의 가설은 잘 옹호되고 논증되었지만 프랑스, ​​스페인 및 포르투갈과 같은 다른 유럽 지역과 맞지 않았기 때문에 이탈리아의 일부 지역에만 적용될 수있었습니다. 따라서 "바로크"라는 용어는 불규칙한 모양의 진주를 지정하는 데 사용 된 언어 인 포르투갈어에서 유래 한 것으로 밝혀졌습니다.

"바로크"는 땅의 작은 높이를 정의하는 데 사용되는 용어 인 라틴어 verruca에서 유래 한 것으로 믿어집니다. 그것은 또한 보석과 관련이 있습니다. 마찬가지로, 해상 확장 중에 포르투갈 인은 인도양 전역에서 진주 무역에 참여한 것으로 알려져 있습니다.

Guzarate시에있는 Barokia 근처에서 진주를 추출하는 동안 포르투갈 인은 불규칙한 모양의 표본이 풍부하다는 것을 깨달았습니다. 결과적으로 이곳에서이 진주들에게 경멸적인 용어가 만들어졌습니다.

이러한 방식으로 이미 포르투갈어로 존재하는 "바로크"라는 용어는 이러한 불규칙하고 불순한 진주를 지정하는 데 사용되었습니다.

예술 용어 소개

18 세기 중반에는 계몽주의의 위대한 사상가들이 "바로크"라는 용어를 사용하기 시작했습니다.

예를 들어, Rousseau는 그의 Lettre sur la musique 프랜차이즈에서이 용어를 도입하여이 이름으로 이탈리아 음악을 불렀습니다. 그의 부분에서 Charles de Brosses는 "바로크"라는 용어를 사용하여 상자 나 상자와 같은 금색과 은색 물체를 지정했습니다.

이 용어가 건축으로 옮겨 졌을 때 사치스럽고 우스꽝스러운 형태를 가리키는 데 사용되었습니다. 따라서 바로크 건축은 규칙 성과 균형이라는 고전적인 이상과 분리되어 가치가없는 예술로 간주되었습니다.

이 정의는 비록 강하게 경멸적인 성격으로 가득 차 있지만 주로 17 세기에 발전된 전체 예술적 스타일을 지칭하는 "바로크"라는 개념으로의 길을 열 수있었습니다.

19 세기부터 바로크 양식은 오해 된 아름다움과 서양 미술의 여러시기에 의미하는 중요성 때문에 구조되었습니다.

바로크 특성

1915 년 스위스 태생의 미술 평론가 엔리케 뵐플린 (Enrique Wölfflin)은 바로크를 예술적이고 철학적 인 운동으로 이해하는 데 필수적인 예술사 기본 원칙이라는 텍스트를 출판했습니다.

이 작품에서 Wölfflin은 바로크 양식이 르네상스의 고전주의에서 발전된 스타일로 태어 났다고 주장했습니다. 그러나 그는 자신의 흐름을 따르기 위해 그것과 거리를 두었습니다. 이러한 방식으로 하나의 예술적 움직임과 다른 움직임 사이의 변형의 결과로 다음과 같은 특성이 확립 될 수 있습니다.

선형에서 그림으로 전환

출처 : Halley Pacheco de Oliveira

르네상스 시대에는 그림, 조각 또는 건축 평면에서 물체를 격렬하게 구분하는 미술에서 선형 캐릭터가 통치했습니다. 이를 통해 윤곽과 평면 내에서 이러한 스타일의 움직임에 촉각적인 품질을 부여했습니다.

반대로 바로크 양식은 선을 사물의 경계 요소로 경멸하는 특징이 있습니다.

결과적으로이 운동은 사물의 혼란을 가져 왔습니다. 시청자는 촉각 경험을 포기해야합니다.이 스타일은 다른 모든 측면보다 색상의 가치 평가에 호소했기 때문입니다.

표면에서 심도 비전으로 이동

출처 : Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato

르네상스 시대에는 선에 붙인 값에 따라 구성 요소가 표면에 겹쳐졌습니다. 바로크 예술에서는 윤곽과 선을 경멸함으로써 표면도 경멸했습니다.

이것은 요소가 깊이 광학에 의해 제어되었음을 의미합니다. 이런 이유로 자연적인 배경이없는 인간의 모습을 (그림에서) 관찰하는 것이 일반적입니다.

닫힌 양식에서 열린 양식으로 변경

출처 : José Luis Filpo Cabana

르네상스 시대의 예술 작품은 완벽하게 구분 된 폐쇄 형 전체에 베팅했습니다. 반대로 바로크 양식은 "규칙을 완화"하려고 노력했고 엄격한 건설과 거리를 두었습니다.

또한 바로크 양식은 전체의 경계에 반대하고 형식의 엄격한 대칭에서 멀어졌습니다. 이 예술적 운동은 작품의 불안정성을 호소했다.

다중성에서 단일성으로 단계

출처 : Antonio de Pereda

르네상스 시대의 각 부분은 예술적 차원에서 조화를 이루는 고유 한 가치를 담고있었습니다. 바로크 예술에서는 단일 모티프의 부분이 합류하여 단일성이 제안되어 주요 요소의 다양한 부분을 완전히 종속시킵니다.

즉, 바로크에는 나머지 개체가 의존하는 주요 인물이 있습니다.

객체의 절대 선명도에서 상대적 선명도로 이동

출처 : Antonio de Pereda

이전에는 표현 내에서 선형 특성을 따르는 객체가 구성에 명확성을 부여하는 플라스틱 품질을 가졌습니다.

바로크 식 지침에서 빛과 색은 형태를 정의하거나 가장 중요한 요소를 강조하지 않습니다. 결론적으로 바로크에서 빛과 색채는 그 자체의 생명을 가지고 있으며 인물의 자비에 있지 않습니다.

과장된 예술

출처 : Jlminchole

바로크 예술가들은 불균형을 가지고 연주하며 극적이고 역동적 인 형태로 관찰하는 사람들을 감동 시키려고 노력했습니다. 고전적인 형태의 왜곡, 빛과 그림자의 대비가 그것을 구별합니다.

바로크는 르네상스 예술과 고전주의에 반대하는 운동이었습니다. 과장된 성격은 지나치게 화려했던 건축물에 반영되어있다. 예를 들어, Gian Lorenzo Bernini가 설계 한 로마의 성 베드로 대성당.

Syncretic 유형 예술

출처 : Halleypo

바로크 양식의 문화적 표현은 각 예술적 표현이 다른 표현과 연결되어 있다는 점에서 동시 적이었습니다.

건축은 회화와 조각과 밀접한 관련이 있습니다. 또한 음악, 무용 및 연극이 융합되어 오페라를 만들었습니다. 다른 때는 각 유형의 예술의 특성이 서로 더 독립적이었습니다.

선전 종료

출처 : Luis Miguel Bugallo Sánchez (Lmbuga)

절대주의, 교회 및 부르주아지는 바로크 예술을 사용하여 아이디어를 홍보했습니다. 이에 바로크 예술가들은 교회를 위해 일하거나 군주를 위해 일하는 사람들과 독립을 원하는 사람들로 나뉘 었습니다.

그 결과 아티스트마다 다루는 주제가 달랐습니다. 교회는 교리를 홍보하고 반개혁이 결실을 맺고 있으며 가톨릭 교회가 패배하지 않았 음을 보여주기를 원했습니다.

이 라인에서 군주는 자신의 힘이 절대적임을 보여주고 싶었습니다. 덕분에 그림, 특히 초상화 장르가 발전했습니다.

마지막으로 주로 네덜란드와 독일에 거주하는 프리랜서 아티스트가있었습니다. 그의 작품은 부르주아지의 일상을 보여 주었다. 예를 들어, 편지를 읽는 소녀 또는 진주를 든 소녀와 같은 Johannes Vermeer의 작품.

이러한 권력 집단의 "문화적 정치"덕분에 바로크 시대는 교회, 군주제 및 귀족적 후원이 붐을 이루었습니다. 예술은 인기를 얻었고 1648 년 파리의 Académie Royale d' Art, 1696 년 베를린의 Akademie der Künste와 같은 많은 예술 학교가 만들어졌습니다.

테 네브 리즘

조명 덕분에 빛과 그림자의 대비입니다. 이 개념은 대부분 바로크 회화에 적용되지만 바로크 연극, 조각 및 기타 시각적 표현 장르가 조명이있는 연극의 영향을 받았다고 말할 수 있습니다.

Wölfflin의 여섯 계율의 어려움

Wölfflin의 특성은 하나의 예술적 운동에서 다른 운동으로의 전환을 이해하는 데 필수로 간주되지만 일부 비평가들은이 작가가 인식 론적 변화에 영향을 준 문화적, 정신적, 사회 학적 요인을 고려하지 않았기 때문에 그의 진술에 몇 가지 결함이 있다고 생각합니다. .

게다가, Wölfflin은 르네상스와 바로크 사이에 오늘날 매너리즘으로 알려진 또 다른 운동이 나타났음을 고려하지 않았습니다. 과도기로서 초기 바로크 양식의 많은 특징을 공유합니다.

바로크는 역사적 맥락에서 매우 중요하여 예술 전체에 퍼 졌을뿐만 아니라 철학, 심리학, 정치, 심지어 물리학과 수학과 같은 다른 분야에도 침투했습니다.

Oswald Spengler는 그의 유명한 작품 The Decline of the West에서 바로크 시대의 존재를 제기했기 때문에이 개념의 확장을 담당했습니다.

1915 년부터 미술 학자들은 바로크 양식이 인류 역사와 예술적 스타일에서 변함없는 존재가 될 수 있다는 생각에 의문을 제기하기 시작했습니다.

이 전제는 바로크 양식이 17 세기에 발전 했음에도 불구하고 많은 위대한 예술가들이이 시대의 이상을 더 현대적인 표현으로 옮기기 때문에 그 미학이 오늘날까지 남아 있기 때문입니다.

이러한 이유로 XXII 세기에 바로크 양식의 문학을 적용한 일련의 책을 찾을 수 있습니다.

바로크를 이해하기위한 기본 요소

이전에 제시된 정보와 함께 Wölfflin의 교훈을 고려하면 바로크를 구성하는 요소를보다 완전하게 이해하기 위해 몇 가지 기본 요점을 추출 할 수 있습니다. 다음과 같습니다.

종교적, 사치스럽고 기괴한 것의 중요성

바로크 양식 (구식과 현재 모두)은 대칭과 비율이라는 고전적인 매개 변수를 깨뜨리는 일련의 긴장을 가지고 있습니다.

또한 그는 끔찍하고 우울한 특성이 풍부한 피비린내 나는 잔인한 장면을 표현하는 데 의지합니다. 이 덕분에 많은 학자들이 바로크 양식을 전 낭만주의와 낭만주의와 연결시킵니다.

종교적 주제를 통해 바로크는 육체와 영, 세상의 즐거움과 하늘의 즐거움 사이의 반항을 표현하는 경향이 있습니다. 또한 그것은 죄와 회개에 대한 분석뿐만 아니라 일부 남성 안에있는 엑스터시와 행복을 드러내는 경향이 있습니다.

바로크를 이해하기 위해서는 종교적 요소가 중요합니다. 사실, 일부 비평가들에게 종교는 바로크 식 표현의 각 구성 요소입니다.

세상적인 쾌락과 억제되지 않은 분노에 대한 성향

인간은이 운동 속의 인물로서 봉쇄 된 힘에 의해 자신을 쫓아 내게합니다. 바로크는 다른 방향으로 열정, 움직임 및 충동을 의미합니다. 바로크 인은 믿음을 찾기 위해 자신을 위로 높이려고합니다. 그러나 그는 지상의 식욕에서 벗어날 수 없습니다.

이 예술적 표현에서 과장된 인물과 높은 장식 요소를 불러 일으키는 두 위치 사이에 경련이 있다는 사실 때문에 심령주의와 관능주의는 끊임없이 혼란 스럽습니다.

바로크 예술에서 에로틱하고 감각적 인 가치는 매우 중요합니다. 세상은 감각, 색상 및 소리를 통해 즐길 수 있으며 모두 풍만함과 풍요 로움에 중점을 둡니다.

초월자의 세속화가 제안되었으므로 그것은 삶의 일시적인 것과 세상적인 것들에 대한 질문을 포함합니다. 그것은 인간에게 모든 것이 헛되고 일시적이며 일시적이라는 것을 상기시키고 불완전 함과 거짓말이없는 현실에 도달하려고 노력합니다.

바로크 예술

-건축물

폰타나 디 트레비

형질

바로크 양식의 건축은 주로 단순함에 대한 주목할만한 거부가 특징입니다. 르네상스와는 반대로 바로크는 계산되고 차분한 조화를 추구하지 않고 불균형, 움직임, 과도 함을 추구했습니다. 결과적으로 건축가는 기하학적 인 선에서 파생 된 타원형 및 타원형 식물을 배치했습니다.

마찬가지로, 그들은 직선과 평평한 표면을 버리고 매우 곡선과 물결 모양의 표면으로 대체했습니다.

이것은 운동이 조각과 회화 분야에서도 볼 수있는 예술 세계로 들어가도록 허용했습니다. 건축에서는 메인 플로어뿐만 아니라 모든 파사드와 인테리어도 물결 모양으로되어 있습니다.

움직임, 빛과 그림자, 연극 효과

무브먼트의 아이디어는 분할 페디먼트, 솔로몬 기둥 및 타원형과 같은 다른 요소로도 강화되었습니다. 빛은 또한 그림에서 볼 수 있듯이 chiaroscuro와 움직임 효과를 만들 수 있었기 때문에 바로크 건축의 기본이었습니다.

빛을 가지고 놀기 위해 건축가는 태양이 비추는 깊은 오목한 부분이있는 불연속적인 표면을 만들고 반대쪽은 그림자 속에 남아 chiaroscuro와 대비 효과를 선호했습니다.

차례로 바로크 건축은 아치와 처마 장식과 같은 전통적인 요소를 풍부하게하고 복잡하게 만들었습니다. 목표는 연극적이고 화려한 효과를내는 것이었기 때문에 장식적인 요소가 건물의 실제 구조를가 렸습니다.

뛰어난 작품

로마의 게수 2 세 교회

바로크 건축의 첫 번째 예 중 하나는 르네상스의 끝과 바로크의 시작을 상징하는이 교회에서 발생합니다. 이 건물 외관의 일부 특징은 스페인과 라틴 아메리카와 같은 다른 곳에서도 반복되었습니다. 이런 이유로 가장 중요한 건물 중 하나입니다.

이 초기 기간에는 여전히 느긋한 바로크 양식이므로 과도한 커브와 카운터 커브 게임이 없습니다. 그러나 Il Gesú는이 운동의 다음 단계를 예고하는 파사드에 오목한 부분과 돌출부를 가지고 있습니다.

성 베드로 대성당 : Gianlorenzo Bernini의 작품

미켈란젤로가 시작한 산 페드로 대성당은 바실리카 계획에서 볼 수 있듯이 몇 가지 르네상스 특징을 가지고 있습니다. 그러나 Gianlorenzo Bernini가이 건물의 장식을 마무리하기 위해 고용되었습니다.

Bernini가 만든 세부 사항 중 가장 일반적인 것은이 대성당 내부에 위치한 캐노피입니다. 바로크 양식의 요소를 정확하게 보여주는 예입니다. 장식품과 디테일이없는이 물건.

캐노피에는 일련의 비스듬한 모양과 4 개의 솔로 모닉 기둥이있어 움직임과 화려 함을 선사합니다. 기하학적 모양과 자연 요소 도이 건축 구성의 참여자입니다.

-페인트 등

출처 : Rembrandt

형질

바로크 회화의 경우 chiaroscuro, 불균형, 운동, 종교적 열정, 관능 및 복잡한 계획과 같은 건축과 조각의 동일한 특성을 유지합니다.

바로크 그림은 자연주의에 호소하므로 아름답고, 추하고, 즐겁고, 불쾌한 지 여부에 관계없이 예술가가 감상하는대로 사물이 표현됩니다.

예를 들어 아름다운 막달라 나 (예 : Murillo의 Penitent Magdalene)의 장면을 찾을 수 있지만 그로테스크 한 초상화 (예 : Rembrandt의 Anatomy Lesson)도 볼 수 있습니다.

바로크 그림은 풍경, 정물 및 정물에 대한 풍부한 표현으로도 두드러졌으며 색상이 다른 요소보다 우세합니다. 또한 바로크 예술가들은 너비가 최대 3m에 이르는 대형 캔버스이기 때문에 위대함을 내기 (및 내기)합니다.

그러나 빛은 바로크 회화의 주인공입니다. 르네상스 시대에 빛은 형태에 종속되어 윤곽을 강조했습니다. 바로크에서 형태는 빛에 종속되는 형태입니다. 이것은 테 네브 리즘과 같은 바로크 양식의 가장 눈에 띄는 흐름 중 하나를 일으켰습니다.

뛰어난 작품

Caravaggio의 테 네브 리즘

어둠은 바로크 회화의 전체 첫 번째 단계를 구성했으며 그림자와 빛의 격렬한 대조로 구성되었습니다. 이 기술의 선구자는 El Greco와 동 시대적 인 Caravaggio 였지만 스타일은 매우 달랐습니다.

가장 순수한 표현의 우울함을 느낄 수있는 그의 가장 중요한 작품 중 하나는 성 베드로의 십자가에 못 박힌 것입니다. 이 그림에서 빛은 거꾸로 십자가에 못 박 히려는 성 베드로의 벌거 벗은 몸통을 잡습니다.

큰 검은 덩어리가 마지막 평면을 차지하기 때문에 그림의 배경은 구분되지 않습니다. 산 페드로에서 멀리 떨어진 인물은 더 어둡고 가장 가까운 인물은 더 밝은 색상을 입고 더 많은 조명을받습니다.

네덜란드 바로크 회화의 최고 대표자로서의 렘브란트

그의 초기 단계에서 Rembrandt는 Caravaggist 스타일의 영향을 받았기 때문에 주로 chiaroscuro와 그의 화려한 그림으로 두드러졌습니다.

그의 작곡은 매우 감동적입니다. 그러나 Caravaggio의 그림과 달리 그의 붓놀림은 부드러 우며 인물은 분위기에 희석되어 환상적이고 신비한 장면의 전개를 장려합니다.

이것은 유명한 그림 인 The Night Watch에서 악명 높은 방식으로 관찰 될 수 있습니다. 여기에서 빛은 주로 노란색 옷을 입은 두 명의 캐릭터에게 있습니다. 나머지는 사진을 구성하는 다른 캐릭터들이 짙은 붉은 옷을 입는다.

가장 눈에 띄는 캐릭터는 강한 조명으로 인해 천사 같은 존재처럼 보이는 어린 소녀의 캐릭터입니다. 순수하고 아름다운 그의 얼굴은 너무 많은 광채로 희석됩니다.

중앙 캐릭터는 가슴에 걸치는 붉은 색 띠를 돋보이게하는 완전 검은 색 옷으로 강렬한 화보 적 대조를 이룬다.

Velázquez : 역사상 가장 중요한 화가 중 한 명

많은 비평가들에게 Velázquez는 아마도 예술사에서 가장 중요한 화가 일 것입니다. 이 감사는이 스페인 화가가 그의 거울 놀이와 그림 속임수 덕분에 그림을 감상하는 새로운 방법을 확립했기 때문입니다.

그의 작품은 매우 거칠고 악명 높지만 그의 가장 유명한 그림은 Las Meninas (원래 이름은 The Family of Felipe IV)입니다. 이 작품에서는 저자가 chiaroscuro와 대조에 의해 뒷받침되는 성숙한 관점으로 어떻게 작업했는지 볼 수 있습니다.

그림에서 두 개의 빛의 입구를 볼 수 있습니다. 하나는 작은 Infanta Margarita와 그녀의 메니 나를 덮는 것이고 다른 하나는 실제 사람이 나타나는 뒷문을 통해 나타납니다.

이 그림은 Velázquez가 이전에 다른 화가가하지 않았던 일을했기 때문에 연대 기적 경계를 넘었습니다. 그는 자신을 예술가로 그렸습니다.

이것은 화가에게 자율성을 부여했기 때문에 회화 세계에서 매우 중요했습니다. 또한 작가는 창작 행위를 통해 기록 된 그의 불멸을 암시하는 듯 시청자를 안일하게 바라 보는 듯하다.

-조각

출처 : DnTrotaMundos ☮

형질

바로크 문학은 다른 예술 분야의 특성, 주로 예술 작품의 화려한 특성을 보존했습니다. 주로 인간의 삶, 꿈, 거짓말, 투쟁의 일시적인 모습을 기록하는 데 전념 한 화려한 스타일입니다. 그는 또한 신화적인 이야기에도 집중했습니다.

구성 적 성격과 관련하여 바로크 문학은 하이퍼 바톤, 줄임표, 형용사, 정반대, 은유를 과도하게 사용하여 많은 경우 읽기를 어렵게 만들었다.

스페인 바로크 양식에서이 문학은 종교, 사랑, 명예 주제가 지배적 인 유명한 황금기의 발전과 일치했습니다. 시에서 바로크 문학은 르네상스 소네트를 계속 사용했지만이 운동의 전형적인 풍만함을 더했습니다.

이 기간 동안 Miguel de Cervantes의 호평을받은 소설 Don Quixote가 등장했습니다. picaresque 소설과 같이 매우 성공적인 하위 장르도 이베리아 반도에 나타났습니다. 또한 또 다른 중요한 작가 인 Pedro Calderón de la Barca가 극장에 출연했습니다.

뛰어난 작품

가장 유명한 작가의 경우 시인 Luis de Góngora와 Francisco de Quevedo를 강조 할 가치가 있습니다. 첫 번째는 Fable of Pyramus와 Thisbe라는 제목의 긴 로맨스를 썼는데, 비평가들은 많은 합리적이고 창의적인 노력이 필요한 고도로 복잡한 시로 분류되었습니다.

마찬가지로 Francisco de Quevedo는 875 개의시를 썼는데, 이는 다른 하위 장르에 의해 미묘한 차이가 있습니다. 일부는 풍자적이며 다른 일부는 사랑스럽고 도덕적이었습니다.

또한 종교 및 장례식 구절이 있습니다. 그의 가장 잘 알려진시 중 하나는 이른바 죽음을 넘어서는 끊임없는 사랑입니다.

Pedro Calderón de la Barca의 가장 잘 알려진 작품은 Life is a Dream이었으며 시적인 아름다움과 완벽한 음악성으로 찬사를 받았습니다. 이 글에서 저자는 꿈의 본질과 꿈과 삶의 덧없는 쾌락과의 긴밀한 관계를 가지고 놀았습니다.

영국 바로크에서 William Shakespeare가 눈에 띄었습니다.

-바로크 음악

요한 세바스티안 바흐

바로크 음악의 몇 가지 특징은 다음과 같습니다.

1. 대조. 당시의 다른 예술적 표현과 마찬가지로 바로크 음악은 각 악기의 음표와 가수의 목소리 사이에 큰 대조를 보여줍니다.
2. 연속베이스가 개발되었습니다. 예를 들어, 하프시 코드 또는 하프시 코드 및 첼로와 같은 다른 악기로 동일한 음표를 연주했습니다. 이러한 방식으로 이러한 소리의 차이를 인식했습니다. 이 소리의 번갈아 가며 느린 소리가 이어졌습니다.
3. Notal 음악이 개발되었습니다. 이전에는 음악이 모달이었고 고대 모드와 스케일을 기반으로했습니다. 바로크에서는 코드가있는 메이저 및 마이너 스케일 시스템이 만들어졌습니다.
4. 소절과 리듬이 생성됩니다. 오늘날 사용되는 규칙적이고 표시된 맥박이 발전합니다.
5. 기악이 독립적이됩니다.
6. 세속 음악이 대중화되고 발전했습니다.
7. 보컬 형식은 오페라, 오라토리오, 칸타타, 열정으로 개발됩니다.

-바로크 극장

연극의 바로크 스타일은 그것을 지배하는 여섯 가지 기본 규칙이 특징입니다.

1. 그는 3 단위 규칙을 어겼습니다. 이에 따르면 각 플레이에는 메인 액션, 설정, 하루 (액션은 같은 날에 발생)가 있습니다.
2. 행위 수 감소 : 5 회에서 3 회로.
3. 언어가 조정되어 소외 계층이 극장을 이해할 수있게되었습니다.
4. Tragicomedy가 소개되었습니다.
5. 캐릭터의 대화에서 수사적 인물이 중요했습니다.
6. 서정시의 미터가 극장으로 옮겨집니다.

참고 문헌

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