만화 : 기원, 특성, 부품, 유형, 예 - 문학

연재는 유머 자막 일러스트레이션 관찰되는 통신 또는 표현의 한 형태이다. 또한 과장된 유머러스 한 터치로 피사체의 특성을 보여주는 단순한 그림으로 생각할 수있다. 매우 일반적인 방식으로 만화는 무언가의 단순화되고 과장된 버전으로 정의됩니다.

만화라는 단어는 영어 용어 만화의 번역입니다. 원래는 프레스코 화와 태피스트리와 같은 다양한 예술 형식에 대한 대규모 스케치를 언급했습니다. 19 세기 중반부터 사회적, 정치적 사건을 묘사하면서 유머러스하고 화보 적이며 종종 풍자적 인 패러디의 의미를 얻었습니다.

1843 년부터 영어 잡지 Punch와 미국 잡지 The New Yorker는 이러한 시각적 풍자를 대중화했습니다. 그 이후로 사회에 큰 영향을 미치기 위해 계속 사용되었습니다. 성공적인 진화의 이유는 현재 관심사에 대해 매우 예리한 피드백을 제공 할 수 있다는 사실에 있습니다.

수년에 걸쳐 드로잉 기법으로 시작된 만화는 드로잉 그 자체가되었습니다. 미디어의 급속한 진화는 미디어가 생산되고 전달되는 방식에 상당한 영향을 미쳤습니다. 오늘날 만화책 제작은 수십억 달러 규모의 초국적 사업입니다.

언론과 엔터테인먼트 모두 대기업이이 세계 시장을 지배합니다. 예를 들어, 대규모 뉴스 네트워크에서는이를 사용하여 정보 콘텐츠를 강화합니다. Pixar, Walt Disney Animation Studios 및 DreamWorks와 같은 다른 회사는 엔터테인먼트 목적으로 만화를 사용합니다.

만화 기원

시작

원래 의미에서 만화는 "큰 종이"를 의미하는 이탈리아어 단어 cartone에서 유래했습니다. 예술 작품을 제작할 때 스케치 (골판지) 역할을 할 종이 위에 만든 실물 크기의 그림이었습니다. 이 기술은 16 세기에 프레스코 화에 처음 사용되었습니다.

프레스코 페인팅 기법은 젖은 석고 벽에 안료를 적용하는 것과 관련이 있습니다. 이전에는 두 가지 기술 중 하나를 사용하여 구성을 종이에 그리고 석고 벽에 추적했습니다.

첫 번째는 추적 도구 사용으로 구성되었습니다. 그것으로 작가는 모든 연속 선을 강조했습니다. 그런 다음 하이라이트 액체를 적용하여 벽에 강조 표시했습니다.

두 번째로 드릴링 도구를 사용하고 숯 가루를 적용하여 벽에 조성물의 선을 표시했습니다.

인쇄 된 무대

1800 년대부터 만화라는 단어는 스케치의 의미를 잃고 풍자적 인 그림을 지정하는 데 사용되기 시작했습니다. 역사적 기록은 이미 풍자적 인 그림을 출판 한 영국 잡지 Punch (1841 년에 제작)를이 사용의 선구자로 지적합니다.

1843 년, 영국 의회의 요청에 따라 예술가 그룹이 그림과 벽화로 장식하려는 사람들이 건축중인 일부 주택의 그림을 출판하기 시작했습니다. 이 집 그룹은 화재로 파괴되었고 의회는 소위“의회 집”을 후원했습니다.

이 선택의 틀 안에서 저널리스트 John Leech는 그해 7 월에 그가 만화 (만화 스트립)라고 부르는 일련의 그림을 출판했습니다. 그들에서 그는 가난한 사람들이 굶주린 동안 불필요한 풍요에 돈을 지출하는 정부를 비꼬는 공격으로 공격했습니다.

이런 의미에서 작가가 사용한 양식은 웨스트 민스터 장식을 선택하기 위해 1843 년 공모에 제출 된 디자인을 패러디 한 것이다.

즉시 만화라는 용어가 그림 풍자의 묘사로 사용되기 시작했습니다. 시간이 지남에 따라 모든 형태의 유머러스 한 그림과 관련하여 사용되기 시작했습니다.

Leech의 유명한 연재 만화 이후 몇 년 동안 Punch 및 기타 인쇄 출판물에서 정치 및 만화 만화가 번창했습니다. 이들은 만화가 및 만화가로 알려진 예술가 그룹에 의해 설계되었습니다.

애니메이션 무대

20 세기가 시작되면서 연재 만화를 발전시킬 수있는 도구 인 애니메이션이 완성되었습니다. 대체로 말하면 무생물이 움직이는 것처럼 보이게하는 기술입니다.

예술적 충동으로서의 애니메이션은 수세기 전에 시작되었습니다. 역사상 처음으로 기록 된 애니메이터는 그리스와 로마 신화의 피그말리온이었습니다. 그녀와 사랑에 빠졌고 비너스에게 생명을 불어 넣어달라고 간청 한 완벽한 여성 인물을 창조 한 조각가였다.

애니메이션 만화의 이론은 행동 단계의 그림이 빠르게 연속적으로 표시되면 인간의 눈은 그것들을 지속적인 움직임으로 인식 할 것이라고 주장했습니다. 이러한 전제를 염두에두고 수많은 실험자들이 그 이론을 실제적인 사실로 변환하기 시작했습니다.

1928 년, 젊은 영화 제작자 인 월트 디즈니는 사운드가있는 애니메이션 만화 Steamboat Willie (Willie the steam boat)로 영화계를 뒤흔들 었습니다. 이 이벤트는 디즈니가 만화에 통합 한 깊이 감을주기 위해 동기화 된 음악 및 다중 비행기 카메라와 같은 다른 사람들이 이어졌습니다.

디즈니를 시작으로 현실에 가까운 애니메이션 만화를 제작하기 위해 치열한 글로벌 경쟁이 벌어졌습니다. 이 대회는 교육과 오락이 구상되는 방식에 돌파구를 마련했습니다.

현재, 만화의 전개에서 두 가지 다른 전선이 발견 될 수 있습니다. 그중 하나는 일본의 애니메이션 (애니메이션)에 해당하고 다른 하나는 미국의 텔레비전 만화에 해당합니다. 첫 번째는 일본 만화 만화 스타일에서, 두 번째는 1960 년 TV 제작을 위해 개발 된 만화에서 나온 것입니다.

형질

만화는 사람, 사건 또는 기관에 대해 만화가가 만드는 아이디어와 판단에 대한 메시지를 전달하기 위해 만들어집니다. 메시지는 행복하거나, 재미 있거나, 조롱하거나, 거칠거나, 동정 할 수 있습니다.

각 만화에는 전반적인 인상을 만들고 메시지를 전달하는 데 도움이되는 다양한 시각적 및 언어 특성이 있습니다. 여기에는 기호, 색상, 만화 및 고정 관념의 사용이 포함됩니다.

내러티브

만화의 주요 특징 중 하나는 그것이 내러티브이고 그 안에있는 모든 것이 의미가 있다는 것입니다. 일반적으로이 의미는 도덕적 및 / 또는 사회적 배경을 수반합니다.

이야기는 구체적인 이야기를 들려줍니다. 프랑스의 Gassiot-Talabot은 그것을 "서사적 형상"으로 묘사했으며 많은 사람들이 그것을 거의 그림 된 산문 이야기와 비슷하다고 생각합니다.

텍스트가 필수는 아니지만 일부 저자는 텍스트가 이미지에서 설명되는 내용의 모호성을 줄이기 때문에 텍스트가 필수적이라고 확신합니다.

기호

기호는 물체, 표지판, 로고 또는 동물 일 수 있습니다. 사람들, 장소, 분위기 또는 환경에 대한 생각이나 감정을 전달하는 데 자주 사용됩니다.

그림 물감

만화에서는 시청자의 의미를 강화하기 위해 색상이 자주 사용됩니다. 마찬가지로 색상을 사용하면 이야기 속 인물의 다양한 느낌이 생성됩니다. 의도는 독자의 공감 적 민감화를 추구하는 것입니다.

만화

만화는 독특한 신체적 특징이 의도적으로 과장되거나 과장된 사람 (또는 그룹)의 시각적 표현입니다. 만화는 일반적으로 유머러스하고 종종 사람을 놀리는 데 사용됩니다.

고정 관념

고정 관념은 일반적으로 거짓되거나 불완전한 정보에 기반한 사람들 그룹의 빠르고 피상적 인 이미지 형성을 나타냅니다. 남성, 여성, 소년, 소녀, 노인 및 청소년에 대한 고정 관념이 있습니다. 마찬가지로 직업, 국가 및 민족 그룹에 대한 고정 관념이 있습니다.

여기에는 개인 또는 그룹에 대한 가치 판단이 포함됩니다. 사람들에 대한 제한적이거나 단순한 견해를 제공 할 수 있기 때문에 일반적으로 바람직하지 않은 것으로 간주됩니다.

그러나 만화에서는 특정 유형의 문자를 쉽게 알아볼 수 있기 때문에 빠르게 식별 할 수 있도록 고정 관념이 자주 사용됩니다.

가변 길이

한 페이지 미만의 간단한 스트립이나 책만큼 짧을 수 있습니다. 차례로 만화는 한 번의 인쇄판이나 한 권의 책으로 완전히 출판되거나 다른 시간에 출판되는 다른 장을 가질 수 있습니다.

다양한 장르

문학 장르와 마찬가지로 만화에는 널리 개발 된 여러 장르가 있습니다. 가장 중요한 만화 장르는 다음과 같습니다.

공상 과학
풍자
공포
경찰과 미스터리
공상
슈퍼 히어로.

예술과 밀접하게 연결됨

그림과 내레이션 인 연재 만화는 항상 예술의 세계와 연결되어 있습니다. 예술에 영향을 미치는 트렌드는 항상 연재 만화에 영향을 미치고 새로운 가치와 의미를 부여합니다. 현대 만화는 초현실주의, 신 도식, 팝아트와 같은 다양한 트렌드를 겪었습니다.

언어의 한 유형으로 간주되기 때문에 연재 만화는 주로 문학과 영화와 같은 다른 예술적 언어와 유사합니다. 후자의 경우 주로 이미지와 단어의 이중 특성을 공유합니다.

만화에서 책이나 영화에 대한 각색을 찾는 것은 일반적이며 만화에서 영화 나 책의 패러디를 찾는 것은 일반적입니다.

부속

모든 만화, 연재 만화 또는 연재 만화의 일부인 특정 핵심 요소가 있습니다. 각 기안자는 자신의 작업을 수행하기 위해 그들을 알아야합니다. 이러한 부분 또는 요소 중에서 언급 할 수 있습니다.

패널 또는 비 네트 : 아티스트가 연재 만화를 그리는 직사각형. 이러한 각 직사각형은 시퀀스입니다.
거터 : 패널 사이의 공간.
블리드 : 캐릭터가 패널에 완전히 맞지 않을 때 아티스트가 사용하는 리소스입니다. 이런 일이 발생하면 패널에서이를 자르는 부분을 블리드라고합니다.
풍선-캐릭터가 연재 만화에서 의사 소통하는 방법. 캐릭터가 말하는 것은 일반적으로 말풍선에 배치됩니다. 캐릭터의 머리에서 발생하는 무언의 생각이나 생각은 일반적으로 생각 풍선에 배치됩니다.
의성어 : 실제 소리를 나타내는 모든 단어. 캐릭터가 충돌로 사다리에서 떨어지면 "PUM"의성어가 전체 패널을 채워 강력한 충돌임을 표시 할 수 있습니다.
아이콘 : 캐릭터의 머리에서 일어나는 일을 보여주는 기호. 예를 들어 캐릭터가 아이디어를 가지고 갑자기 전구가 나타날 때 발생합니다.

종류

다른 유형의 만화는 서로 크게 다를 수 있습니다. 그들이 공유 할 수있는 몇 가지 요소 중 하나는 유머입니다. 그들과 일치하는 또 다른 요소는 그들이 사회에 영향을 미치고 영향을 미치는 다양한 방식입니다.

따라서 만화 분류 기준은 매우 광범위합니다. 이러한 유형 중 일부는 아래에서 설명합니다.

현실과의 연결에 따라

이 기준에 따라 만화는 현실이나 환상을 기반으로 할 수 있습니다. 전자가 발생하면 캐릭터는 일상 생활에서 실제입니다. 만화는 캐릭터를 대표하는 것 이상으로 삶에 대한 그의 감정적 반응을 보여줍니다.

다른 극단에는 판타지 만화가 있습니다. 대조적으로 이것들은 현실과 관련이없는 캐릭터를 나타냅니다. 만화의 전체 목적은 웃음을 장려하는 것입니다.

이미지-전설 관계에 따르면

이미지-범례 관계를 고려하면 두 가지 유형의 만화가 있습니다. 텍스트 중심과 이미지 중심입니다. 첫 번째 유형의 사람들은 풍부하고 설명이 풍부한 전설에 초점을 맞추고 있습니다.

이미지가 만화를 이해하는 데 절대적으로 필수적인 경우 캡션은 간단하고 완전히 액세서리입니다.

사설 또는 정책

정치 만화라고도하는 편집 만화는 정치적 또는 사회적 메시지를 포함하는 삽화입니다. 이것은 1500 년대 초 독일의 개신교 개혁에서 처음으로 나타났습니다.

그의 생각을 전파하기 위해 종교 개혁의 지도자 인 마틴 루터 (1483-1546)는 텍스트 대신 인쇄 된 이미지에 호소했습니다. 이 이미지는 강력한 가톨릭 교회의 행동에 항의했으며 대형 포스터와 삽화가있는 팜플렛에 배포되었습니다. 결국 그들은 비판에 효과적인 매개체임이 입증되었습니다.

요즘에는 대부분의 신문에서 편집 만화를 볼 수 있습니다. 마찬가지로 많은 급진적 편집 만화가들이 인터넷에서 자신의 존재를 확립했습니다.

편집 만화는 매우 다양 할 수 있지만 일정한 스타일이 있습니다. 그들 대부분은 복잡한 정치적 상황을 설명하기 위해 시각적 은유를 사용합니다.

정치 만화는 내러티브 형식으로 간주되었습니다. 사실, 1922 년에 편집 만화로 퓰리처 상이 제정되었습니다.

만화 개그 와 만화

개그 만화는 잡지, 신문, 인사 장에서 볼 수있는 유머러스 한 그림입니다. 일반적으로 범례 또는 "말풍선"과 함께 단일 그림으로 구성됩니다.

영국에서 "만화 스트립"이라고도하는 "만화 스트립"은 전 세계 신문에서 할당 한 고정 페이지에서 매일 발견됩니다. 일반적으로 일련의 짧은 시퀀스 드로잉 일러스트레이션입니다. 미국에서는 일반적으로 "만화"로 알려져 있습니다.

유머가 가장 빈번한 주제이지만 드라마와 모험도이 매체에서 표현됩니다. 대부분의 만화는 독립형이지만 일부는 본질적으로 연재되며 매일 또는 매주 계속 될 수있는 스토리 라인이 있습니다.

애니메이션 만화

만화라는 용어의 가장 일반적인 현대적 사용 중 하나는 텔레비전, 영화, 단편 영화 및 전자 매체를 말합니다. 이 용어는 모든 애니메이션 프레젠테이션에 적용될 수 있지만 어린이 프로그램과 관련하여 가장 자주 사용됩니다.

그 안에는 인간 모양의 동물, 슈퍼 히어로, 어린이 모험 및 기타 유사한 주제가 이야기를 전달하는 데 사용됩니다. 1940 년대 후반까지 만화는 영화관에서 상영되었습니다.

그 당시에는 연재 만화와 뉴스 캐스트로 구분 된 두 개의 장편 영화를 상영하는 것이 일반적이었습니다. 1930 년대에서 1950 년대까지의 많은 만화는 큰 화면에서 볼 수 있도록 설계되었습니다. 텔레비전이 인기를 얻기 시작하자 작은 화면을위한 만화가 제작되기 시작했습니다.

이러한 유형의 만화는 특히 주요 청중이 어린이이기 때문에 폭력 문제로 인해 논란의 대상이되었습니다. 최근 몇 년 동안 점점 더 많은 성인용 애니메이션 만화가 등장했습니다. 그러나 엔터테인먼트 산업의 일부 부문은 애니메이션 만화 그룹에서 제외됩니다.

유명한 만화의 예

마팔다 어 (아르헨티나)

이 만화는 1964 년과 1973 년 사이에 아르헨티나에서 유명한 아르헨티나 그래픽 유머리스트 인 호아킨 살바도르 라바도 (Quino로 더 잘 알려져 있음)에 의해 출판되었습니다.

Mafalda는 중산층의 사회적 관습에 대한 설명으로 매우 인기있는 캐릭터였습니다. 마찬가지로 그녀는 사회의 현상 유지에 대한 공격으로 유명했습니다.

만화는 주변의 어른들의 세계를 비판적으로 관찰 한 소녀 (Mafalda)의 순진하지 않은 눈으로 상황을 보여 주었다. 이 소녀의 고민이 주제였다. 이것들은 세계 평화, 군비 경쟁, 베트남 전쟁에 관한 것이 었습니다.

또한 중국 문화 혁명, 히피족, 비틀즈와 같은 다른 주제가 다루어졌습니다. 이 모든 주제별 다양성은이 만화를 60 년대의 전형적인 제품으로 만들었습니다.

콘도 리토 (칠레)

Condorito는 1949 년 Okey 잡지에 처음 등장했습니다. 제작자 인 René Ríos Boettiger는 Pepo (1911-2000)로 더 잘 알려져 있습니다. 중심 테마는 주인공 콘도 리토의 모험과 모험을 중심으로 전개되었습니다. 이것은 콘도르와 시골에서 도시로 이주한 후 아소 (칠레 농민)의 혼합이었습니다.

출시일까지 칠레는 심한 농촌 이주에 직면했습니다. 이런 식으로 만화는 그 순간의 사회적 현실을 반영했습니다.

시간이 지남에 따라 만화가 Pepo는 그의 캐릭터를 진화 시켰습니다. 첫째, 그는 콘도르 기능을 부드럽게 만들어 그를 더 인간적으로 만들었습니다. 또한 그는 여자 친구, 친구 및 조카를 만들었습니다.

콘도 리토가 국제적 상황을 반영하지 않은 것은 사실이지만 그는 칠레의 특정 상황을 묘사했다. 콘도 리토의 모험에서 페포는 재치 있고 재미있는 칠레 농민을 묘사하고 싶었습니다. 1955 년부터 콘도 리토는 칠레와 다른 나라에서 같은 이름의 잡지에 실 렸습니다.

Mortadelo 및 Filemón (스페인)

Mortadelo y Filemón은 1958 년 1 월 20 일에 처음으로 출판 된 만화 시리즈입니다. 제작자는 스페인의 Francisco Ibáñez Talavera (1936-)였습니다. 원래 제목은 정보 기관인 Mortadelo y Filemón이었습니다.

작가 자신의 말에 따르면 만화의 원래 목적은 희극이었다. 그 안에서 주인공 인 Mortadelo와 Filemón은 각각 닥터 왓슨과 셜록 홈즈 인 척했다. 만화의 전체 전개는 문제에서 문제까지 살았던 두 서투른 존재를 묘사했습니다.

이 만화는 뮤지컬로 옮겨졌으며 비디오 게임의 주제가되었습니다. 같은 방식으로 Gran Premio del Salón del Comic (1994), Haxtur Prize (2000) 및 Medal of Honor for Merit in Fine Arts (2001)로 구별되었습니다.

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만화 : 기원, 특성, 부품, 유형, 예 - 문학 - 2025