극장의 가장 중요한 15 가지 특징 - 미술 - 2025

극장 의 가장 중요한 특징은 모든 연극이나 공연에 공통된 요소와 밀접한 관련이 있습니다. 극장이라는 용어는 "볼만한 곳"을 의미하는 그리스어 theatron에서 유래되었습니다.

따라서 원래 극장은 장소와 특정 형태의 지각을 모두 언급했습니다. 오늘날 극장의 개념은 건물, 활동 ( '가는'또는 '하는'극장), 기관 및 예술 형식을 가리킬 수 있습니다.

연극은 관객을 자극하고 흥분시키는 연설, 제스처, 풍경, 음악, 소리 및 광경을 조합하여 라이브 관객 앞에서 이야기 및 연기와 관련된 경치 예술의 한 분야입니다.

이 예술적 표현은 관객의 지각과 상상력에 따라 해독되기 때문에 마음도 연극에서 중요한 역할을합니다.

모든 연극에는이 예술을 특징 짓는 공통 요소가 있습니다. 아래에서 가장 눈에 띄는 기능을 더 자세히 볼 수 있습니다.

극장의 15 가지 특징

1- 플롯

출처 : Wikimedia Commons를 통한 Morruelo)

그것은 작업에서 일어나는 일입니다. 그것은 행동을 의미합니다. 이벤트의 구성 또는 연극 장면의 선택 및 순서. 아리스토텔레스에 따르면 이야기의 원재료와 구성 요소를 구성하는 사건의 배치를 나타내는 추상 개념입니다.

줄거리는 이러한 사건이 일관된 전체로 구성되는 방식입니다. 원래 순서의 배열이 변경되면 새 프레임이 생성됩니다. 두 가지 유형의 음모가 극장에서 우세합니다. 다음으로 주요 특징 및 차별화 요소 :

해상도 프레임

• 줄거리는 이야기의 후반부, 끝이나 절정에 가깝게 시작됩니다.
• 짧은 기간을 다룹니다.
• 몇 가지 견고하고 확장 된 장면이 포함되어 있습니다.
• 제한된 장소, 방 또는 집에서 발생합니다.
• 문자 수는 심각하게 제한됩니다.
• 서브 플롯이 거의 없습니다.
• 행동 라인은 원인과 결과의 사슬에서 진행됩니다. 등장 인물과 사건은 논리적 발전의 거의 불가피한 순서로 밀접하게 연결되어 있습니다.

플롯 공개

• 줄거리는 상대적으로 이야기의 초기에 시작하여 일련의 행동을 통해 이동합니다.
• 오랜 기간을 다룹니다.
• 짧고 조각난 장면이 많거나 짧고 긴 장면이 번갈아 나타납니다.
• 전체 도시 또는 여러 국가를 포함 할 수 있습니다.
• 풍부한 캐릭터.
• 여러 가지 행동 실과 여러 병렬 이야기로 자주 표시됩니다.
• 장면은 서로 연관되어 있습니다. 이벤트는 여러 원인으로 인해 발생하거나 명백한 원인이 없을 수 있지만 상황의 네트워크에서 발생합니다.

2- 주제

출처 : Wikimedia Commons를 통한 Martinbayo)

줄거리는 연극의 행동을 나타내며 주제는 연극의 의미를 나타냅니다. 때로는 제목에 명확하게 명시되어 있습니다.

다른 때는 극작가의 목소리로 행동하는 캐릭터의 대화를 통해 말할 수 있습니다. 때로는 주제가 덜 명확하고 작업 내용을 분석 한 후에 만 ​​발생합니다.

3- 문자

그들은 연극에서 배우가 대표하는 사람, 동물 또는 아이디어입니다. 구조적 측면에서 캐릭터는 행동의 주체이며 플롯에서 사건이 발생하도록 동기를 부여합니다.

각 캐릭터는 자신의 성격, 나이, 외모, 신념, 사회 경제적 배경 및 언어를 가져야합니다. 작업의 기능에 따라 일부 유형의 문자를 설명 할 수 있습니다.

• 주인공 : 주인공 .
• Antagonic : 주인공의 주요 상대.
• 대응 물 : 비슷하거나 다른 상황이나 행동을 통해 주인공의 일부 측면을 드러냅니다.

4- 스크립트 또는 텍스트

이것은 연극 공연의 시작점입니다. 연극이 만들어지는 텍스트입니다. 연극에서 대화, 무대 지시, 캐릭터 설명 등으로 구성됩니다. 극작가가 쓰고 등장 인물이 해석하는 단어를 말합니다.

5- 성별

작품의 독특한 클래스. 성별은 "카테고리"또는 "유형"을 의미하는 프랑스어 단어에서 비롯됩니다. 장르의 선택은 주제에 대한 작가의 관점을 반영합니다.

비극, 코미디, 멜로 드라마 및 비극 코미디는 일반적으로 극장에서 공연됩니다. 이러한 각 장르는 스타일과 콘텐츠에 따라 다음과 같이 세분화 될 수 있습니다.

비극

심각하고 복잡하며 관련성이있는 행동을 모방 한 것입니다. 비극은 본질적으로 주제가 심각하며 깊은 문제를 다룹니다. 이러한 깊은 문제는 보편적이며 청중이 행동을 목격 할 때 연민과 두려움을 불러 일으 킵니다.

코메디

그녀는 청중을 웃게 만드는 비전을 가지고 있으며 일반적으로 육체적이고 활력이 넘칩니다. 제시된 캐릭터의 행동은 우스꽝스럽고 때로는 어리 석습니다. 청중이 사회의 행동을 바로 잡도록 자극합니다.

멜로 드라마

재앙의 드라마, 주인공의 통제를 벗어난 상황이 줄거리의 중요한 사건을 일으킨다. 주인공의 죄책감과 책임감이 제거됩니다.

주인공은 상황의 희생자입니다. 멜로 드라마는 엄격한 도덕적 판단력을 가지고 있습니다. 제시된 모든 문제는 잘 정의 된 방식으로 해결됩니다. 좋은 캐릭터는 보상을 받고 나쁜 캐릭터는 벌을받습니다.

희비극

그것은 삶 그 자체를 반영하며 이전의 모든 장르를 포함합니다. 판단하는 척하거나 절대적인 판단을하지 않습니다. 성격의 관계에 초점을 맞추고 지속적인 흐름의 상태에서 사회를 보여줍니다.

6- 의상 및 메이크업

캐릭터를 재창조 할 때 배우의 특성을 나타내는 요소입니다.

라커룸

배우 나 연기자가 무대에서 착용하는 의류 및 액세서리를 말합니다. 고대 그리스인은 각 캐릭터에 대한 특정 의상을 개발하는 선구자였으며이 예술은 중세 시대를 되 살리고 궁정의 위대한 후작을 나타내는 데 기여했습니다.

구성하다

배우의 외모를 특정 역할에 맞추거나 무대 조명의 효과를 보완하기 위해 배우의 외모를 변경하는 데 화장품을 사용하는 것입니다.

메이크업 기술은 전기 및 가스 조명의 도입으로 혁명을 일으켰으며 이제는 고도로 기술적 인 관행이되었습니다.

7- 조명 및 음향 효과

조명의 배치, 강도 및 색상과 음향 효과는 감독이 장면의 분위기, 분위기 또는 느낌을 전달하는 데 도움이됩니다.

르네상스 시대에 촛불과 가연성 액체를 사용하는 실내 공연이 처음 열렸을 때 조명은 연극 제작의 중요한 특징으로 인식되었습니다.

조명 기술의 결정적인 혁신에는 플로어 램프의 도입, 광선의 강도를 높이기위한 반사경 사용, 1876 년 강당의 조명 디밍이 포함되었습니다.

19 세기 초 가스 조명의 개발은 위험에도 불구하고 큰 진전을 이루었습니다. 전기 조명의 사용은 1879 년 샌프란시스코의 캘리포니아 극장에서 시작되었습니다.

현대 극장의 오늘날 조명 시스템은 전체 시스템의 조명을 조정할 수있는 고도로 정교한 컴퓨터 대시 보드로 제어됩니다. 다른 최근 혁신에는 자외선, 레이저 및 홀로그래피 실험이 포함되었습니다.

음향 효과는 연극의 한 장면에 수반되는 소음으로 컴퓨터 나 무대 안팎의 배우에 의해 생성 될 수 있습니다.

8- 이사

그는 전체 제작 단위를 책임지고 예술가들의 노력을 조정하는 사람입니다. 감독의 역할은 관련된 모든 사람을 위해 제작 비전을 설정하는 감독이기 때문에 연극 제작의 핵심입니다.

감독은 대본, 배우, 의상, 조명, 사운드 및 음악과 같은 복잡한 제작 작품을 통합하는 어려운 작업을 수행합니다. 이 작업을 수행하기 위해 관리자는 다음이 필요합니다.

• 스크립트를 해석하십시오.
• 디자이너와 협업하세요.
• 리허설을 계획하십시오.
• 리허설 중에 배우들의 작업을 안내합니다.

감독의 작업은 종종 편집중인 대본에 대한 자세한 연구와 분석을 기반으로합니다. 대본을주의 깊게 읽어 보면 감독이 극작가의 의도에 대한 개별적인 관점을 개발하는 데 도움이됩니다. 당신의 인식은 생산의 모든 측면에 영향을 미칩니다.

감독은 또한 대본의 등장 인물을 연구하여 캐스팅 선택에 필수적인 신체적, 심리적 특성에 대해 가능한 한 많은 정보를 수집합니다.

9- 청력

출처 : Wikimedia Commons를 통한 Prosperoproducciones)

작품을 보는 사람들의 그룹입니다. 많은 극작가와 배우는 연극을 작성하고 제작하는 모든 노력이 관객의 즐거움을위한 것이기 때문에 관객을 극장의 가장 중요한 요소로 간주합니다.

극장에서 통역사는 대중과 직접 존재하기 때문에 에너지의 순환 흐름이 생성되고 배우는 청중에게 영향을 미치고 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 이 효과는 극장이 공동 행사라는 사실에 의해 증폭됩니다.

그룹은 개인이 경험하는 감정을 강화하고 집단 의식을 생성하기 때문에 그룹 경험은 필수 불가결합니다. 한 그룹의 개인이 무대에서 일어나는 일에 비슷한 방식으로 반응하면 다른 사람들과의 관계가 재확인되고 강화됩니다.

출연진과 관객의 분리 정도는 기존 연극과 참여형 연극의 차이다.

첫 번째로 관객은 자신의 상상력을 사용하여 연극에 참여하고 행동에서 분리됩니다. 두 번째에서 배우는 개인 개발 또는 그룹 치료를 강조하면서 확립되고 즉석에서 대본을 따르려고하는 청중과 상호 작용합니다.

극장에서 관객은 많은 종류의 상상의 세계를 받아들이도록 요청받습니다. 이러한 상상의 영역을 구별하는 한 가지 방법은 현실과 비현실적인 극장으로 나누는 것입니다.

19 세기 후반 유럽 연극의 지배적 형태가 된 리얼리즘은 관객이 삶을 생명이라고 생각할 정도로 생명을 가깝게 재현하려고 시도한다. 반면 비현실주의는 관찰 된 현실을 초월하여 마음 속에 존재하는 삶의 일부를 제시하려고합니다.

그러나이 두 가지 접근 방식이 상호 배타적이라고 가정하는 것은 실수입니다. 대부분의 무대 공연에는 사실적이고 비현실적인 요소가 혼합되어 있습니다.

10- 시노 그래피

음모가 일어나는 환경을 재현하는 역할을하며, 시노 그래피는 다음과 같은 목표를 가지고 있습니다.

• 작품의 분위기와 스타일을 정하십시오.
• 시간과 장소를 정하십시오.
• 사실주의와 비현실주의를 구별하십시오.
• 다른 요소와 풍경을 조정합니다.
• 무대 공간과 무대 밖 공간의 한계에 대처하십시오.

이러한 모든 목표는 감독, 세트 디자이너 및 디자인 팀 간의 여러 회의에서 해결됩니다. 나중에 아이디어는 스케치에 반영되며 수정, 분석 및 수정 후 스토리와 크리에이티브의 비전에 가장 적합한 세트 디자인을 고안 할 수 있습니다.

이 단계가 완료되면 계획의 구체화를 위해 필요한 구성, 조정 및 설치를 무대에서 수행하는 기술 책임자에게 설계가 전달됩니다.

11 단계

연극 제작에 사용되는 것은 커튼, 바닥, 배경 또는 플랫폼과 같은 연극 장비입니다.

12- 소품

출처 : Wikimedia Commons를 통한 Martinbayo)

소품에는 다양한 범주가 있습니다. 대부분의 핸드 헬드 소품은 대본에서 가져 오며 감독이 필요로하는 항목입니다. 세트 디자이너는 일반적으로 무대에 나타나는 가구와 같은 세트 소품을 요청합니다. 때로는 이러한 유형의 소품과 시노 그래피 사이에 미세한 구분선이 있습니다.

소품은 의상과 무대를 제외하고 공연 중에 나타나는 움직이는 물건입니다. 한 명 이상의 배우가 조작하는 아이템입니다. 책, 총, 와인 한 잔 등.

13- 사도 행전

출처 : Wikimedia Commons를 통한 Martinbayo)

그들은 연극 개발에서 중요한 부분을 나타냅니다. 엘리자베스 시대부터 19 세기까지의 대부분의 연극은 극작가 나 후기 편집자들에 의해 다섯 가지로 나뉘어졌습니다.

19 세기 후반에 많은 작가들이 4 막 연극을 쓰기 시작했습니다. 오늘날 1 막, 2 막, 3 막이 가장 일반적인 게임입니다.

14- 극장 (건물)

배우 나 관객이 모이는 공간입니다. 아티스트, 연기자가 라이브 청중과 소통하는 공간이 있어야합니다.

연극 건물은 그리스인과 로마인의 야외 원형 극장에서 오늘날 우리가 보는 다양한 형태로 진화했습니다. 출연자와 관객의 감성 교류를 지원하는 공간이다.

15- 대회

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연극 대회는 극작가 나 감독이 연극의 이야기를 전달하기 위해 사용하는 실용적인 도구입니다. 가장 일반적인 연극 관습은 등장 인물이 서로 이야기하고 청중을 알아 차리지 않는 척하는 것입니다.

종종 네 번째 벽 또는 네 번째 화면 규칙이라고 부르며, 배우와 청중 사이에 (보이지 않는) 구분이 존재하는 것을 시뮬레이션합니다.

극장의 기원과 역사적 진화

극장이 정확히 언제 시작되었는지는 미스터리입니다. 선사 시대 사냥꾼은 사냥 탐험에 대한 이야기를 연기했습니다. 고대 이집트인들은 종교 의식에서 신성한 노래를 부르고 신을 위해 춤을 췄습니다. 그러나 극적인 엔터테인먼트로서의 극장이라는 아이디어는 나중에 나왔습니다.

비극과 희극에 대한 영어 단어는 고대 그리스인의 언어에서 유래 한 것으로 알려져 있습니다. 그리스인이 처음으로 연극을 한 것은 아니지만 비극과 희극의 기원에 매우 관심이 많았습니다.

그들의 저술에서 철학자 아리스토텔레스와 다른 그리스 작가들은 이론을 제안하고 예술 형식의 연극이 어떻게 발전했는지에 대한 가설을 세웠습니다.

그리스 연극은 야외 극장에서 공연되었습니다. 처음에는 극장이 도심이나 언덕 옆에있는 열린 공간에있었습니다. 청중은 합창단이 신이나 영웅의 모험에 대해 노래하는 것을 듣고 볼 준비가되어있었습니다.

기원전 6 세기 말경. C., 연극 구조가 더 정교 해졌습니다. 극장이 점점 인기를 얻고 경쟁이 치열 해지면서 극장은 한 번에 최대 15,000 명을 수용 할 수있는 구조로 더 커졌습니다.

극장은 사람들이 다른 사람의 이야기를 듣기 위해 처음 모인 이래로 주변에있었습니다. 친구와 가족은 청중과 연기자의 책임을 공유하고 누군가가 이야기를 나누는 한 역할을 바꿨습니다.

현대 연극은 이야기를 재현하도록 훈련 된 배우와 무대에 반응하는 세련된 시청자와 함께 더 형식적 일 수 있지만, 출연진과 라이브 청중 사이에 에너지를 공유한다는 아이디어는 변함이 없습니다.

참고 문헌

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