인상파 : 역사, 특성, 대표자 및 작품 - 미술 - 2026

인상주의는 1860 년 프랑스에서 태어난 작가는 자연 지역에서 두꺼운 브러쉬 나 얼룩을 통해 일상 생활에서 빛을 포착하려고 특징으로 된 예술 운동이었다. 이런 이유로이 운동에서는 밝고 선명한 색상이 사용되었습니다.

화가들이 선을 사용하지 않았기 때문에 인상주의라고 불렸지만, 일정 거리에서 그림을 관찰하면 그림에 의미를 부여하는 특정 선과 그림이 있다는 "인상"을 주었다. 마찬가지로이 단어는 Claude Monet의 Impression, 떠오르는 태양 (1872)이라는 제목의 그림에서 가져 왔습니다.

프랑스 인상파 에두아르 마네의 튈르리 음악 (1862)

일반적으로 인상파 그림은 요소와 인물을 함께 형성하는 컬러 브러시 스트로크로 만들어집니다. 그러나 이것은 가까이서 볼 수 없습니다 (가까이서 보면 점처럼 보이기 때문입니다). 그림에 포착 된 모양, 빛, 그림자를 시각화하려면 거리를 두어야합니다.

인상파 운동은 본질적으로 그림이지만 몇 년 후 다른 예술은이 스타일의 요소와 특성을 취했습니다. 예를 들어, 일부 비평가들은 작곡가 Claude Debussy (1862-1918)가 그의 음악 작품에 인상 주의적 특징을 도입했다고 주장합니다.

기원과 역사

회화의 적으로서의 사진

인상주의는 예술가들이 모여 야외에서 그림을 그리고 자연 환경에서 영감을 얻은 Barbizon School에서 시작되었습니다. 이 학교에서 인상파들은 풍경과 자연의 아름다움과 광채를 맛 보았습니다.

이 기간 동안 현실을 그대로 포착하는 사진이 개발되기 시작했습니다. 이것은 카메라로 거의 즉시 할 수있을 때 인물과 풍경을 만드는 것을 정당화하는 방법을 몰랐던 화가들에게 악명 높았습니다.

이런 이유로 화가들은 사진과는 다른 방식으로 사물을 묘사하는 방법을 찾았습니다. 이런 식으로 그들은 눈이 빛을 통해 색상과 모양을 인식하는 방식에 초점을 맞추기 위해 선과 볼륨에서 멀어졌습니다.

비판적 수용

처음에는 인상주의가 아카데미에서 널리 받아 들여지지 않았지만 (그들은 이상하고 저속하다고 생각했습니다)이 그림 운동은 특히 유럽 지역에서 큰 명성을 얻었습니다.

그 당시 프랑스는 예술의 요람으로 여겨졌 기 때문에 전 세계의 많은 예술가들이 자신을 교육하고 새로운 트렌드를 배우기 위해이 나라에 왔습니다. 이를 통해 화가와 여행자는 인상주의의 새로운 기술을 전 세계에 전파 할 수있었습니다.

인상주의는 에드가 드가, 클로드 모네, 카밀 피사로, 피에르 르누아르와 같은 화가들이 새로운 스타일의 예술가이자 대표로 자리 매김 한 1873 년부터 절정에 달했습니다.

인상주의는 일련의 원칙을 따랐지만, 이들 화가 각각은 예술적 필요에 따라 그것을 해석했다는 점에 유의해야합니다.

예를 들어, Edgar Degas (1834-1917)는 댄서의 초상화에서 움직임의 감각을 포착하는 데 중점을 두었지만 Monet은 자연 및 수생 환경을 선호했습니다. 이것은 그의 작품 Los nenúfares (1920 년에서 1926 년 사이에 제작)에서 볼 수 있습니다.

인상주의의 특징

인상파 운동은 19 세기 중반부터 프랑스에서 태어 났지만 독일 낭만주의의 영향을 받아 영국의 풍경화가 스타일의 특정 개념을 받아 들였습니다.

예를 들어, John Constable (1776-1837)과 Joseph Turner (1775-1851)와 같은 화가들로부터 인상파들은 빨강과 노랑과 같은 흐릿하고 강렬한 색상을 좋아했습니다.

또한 인물과 색상의 인식에 대한 빛의 효과에 관심을 가진 최초의 화가 중 한 명인 Édouard Manet (1832-1883) (여러 인상파 화가의 친구이자 교사)의 공헌도 중요했습니다.

또한이 화가는 선 사용을 없애고 더 두꺼운 붓놀림을 사용하기 시작했습니다. 이것은 그의 그림 Grass on the Grass (1863)에서 볼 수 있습니다.

이러한 측면을 고려하여 그림에서 다음 특성을 설정할 수 있습니다.

-풍경과 일상적인 상황에 대한 관심

인상파는 그림의 주제를 자연 요소와 일상적인 상황에 집중했습니다. 이 화가들은 야외에서 그림을 그리는 데 사용되었으며 호수, 도로, 초원 및 숲을 그리는 것을 좋아했습니다. 이것은 Claude Monet의 작품에서 볼 수 있습니다.

그들은 또한 인간의 일상적인 상황에 대한 관심을 발전 시켰습니다. 그들은 웃고있는 아이들, 숲에서 노는 숙녀, 식사와 파티를하는 사람들을 묘사했습니다. 이것은 Auguste Renoir (1841-1919)의 그림에서 볼 수 있습니다.

클로드 모네의 수련. wikimedia commons를 통해.

-선명하고 순수한 색상

인상파들은 색채를 놀랍게 실험했습니다. 그들은 chiaroscuro 기술을 가지고 놀았고 다른 시각적 감각을 유발하기 위해 다른 색조를 사용했습니다.

또한 19 세기에는 새로운 안료 (즉, 페인트를 만드는 새로운 재료)가 만들어져 인상파가 더 순수하고 강렬한 색상을 사용할 수있게되었습니다. 차례로 이것은 인물의 조명을 실험하는 데 도움이되었습니다.

-두껍고 짧은 붓놀림

어떤 사람들은 인상주의가 그의 그림을 발전시키기 위해 얼룩을 사용했다고 생각합니다. 실제로는 두껍고 짧은 것이 특징 인 일종의 붓놀림 (이후에 게슈탈트 붓놀림으로 명명 됨)이었습니다.

이 붓놀림은 순수한 색상으로 구성되어 있으며-다른 색상의 다른 붓놀림과 먼 거리에서 결합했을 때 그림의 광도뿐만 아니라 움직임도 제공했습니다.

즉, 인상파 붓놀림 자체는 의미가 없었지만, 합치면 보는 사람의 눈앞에서 빛나고 생생한 총체 성을 형성했다.

대표자와 작품

클로드 모네 (1840-1926)

이 프랑스 국적 화가는 인상주의의 아버지 중 한 사람으로 여겨진다. 사실이 용어는 그의 가장 유명한 작품 중 하나 인 Impression, Rising Sun (1872)에서 따온 것입니다.

1860 년 이전에 그의 작품은 본질적으로 현실적이었습니다 (즉, 현실을 최대한 가깝게 묘사). 그러나 그는 조명과 두꺼운 붓놀림에 초점을 맞춘 완전히 다른 스타일을 개발하기 시작했습니다.

모네는 야외에서, 특히 지베르니 (오늘날 관광객들이 방문 할 수있는 곳)에 위치한 그의 집 정원에서 그림을 그리는 것을 좋아했습니다. 이곳에서 그는 자신의 집에있는 연못에서 영감을 받아 수련으로 알려진 일련의 그림을 그렸습니다.

그림 인상, 떠오르는 태양 by Claude Monet. 출처 : Claude Monet / wikimedia commons를 통한 공개 도메인.

그의 가장 잘 알려진 또 다른 작품은 Rouen Cathedral 시리즈 (1895 년 제작)입니다. 이 작품은 하루 중 다른 시간에 만들어진 대성당의 여러 초상화로 구성되었습니다. 이런 식으로 Monet은 태양 입사 량에 따라 건물의 색상이 어떻게 변하는 지 포착 할 수있었습니다.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

그는 자연 경관에 삽입 된 여성 인물의 초상화로 눈에 띄는 프랑스 화가였다. 그는 붓놀림을 통해 자신의 작품에서 매우 특별한 진동과 광채를 포착 할 수 있었던 매우 특별한 예술가였습니다.

이것은 The Great Bathers (1884)와 같은 그림에서 볼 수 있으며, 여성의 몸은 눈에 띄는 조명과 분홍색 색조를 가지고 있습니다. 또한 물의 붓놀림으로 보는 사람은 움직임과 활력을 감지 할 수 있습니다.

르누아르는 또한 인간 생활의 일상적인 상황에 초점을 맞춘 그림을 그렸습니다. 이것은 그의 작품 Lunch of rowers (1881)와 Dance at the Moulin de la Galette (1876)에서 볼 수 있습니다. 르누아르는 인간의 삶과 자연의 가장 아름다운 측면을 묘사하는 것이 특징입니다.

Rowers 'Lunch, by Pierre Renoir. wikimedia commons를 통해.

Berthe Morisot (1841-1895)

미술계는 남성 작가를위한 공간 이었지만 인상파 운동에 전념하는 여성 작가도 있었다. 30 년에 걸쳐 광범위한 예술 경력을 쌓아온 Berthe Morisot는 23 세의 어린 나이에 그림을 전시하기 시작했습니다.

그녀의 그림은 자신의 삶과 여성 활동에 대한 인식에 초점을 맞추 었습니다. 이것은 그의 작품 La cuna (1872)와 Woman in her bath (1875)에서 볼 수 있습니다.

Morisot의 스타일은 가벼운 붓놀림과 전통적인 형태를 피하기 위해 눈에 띄는 빛과 색상으로 주입되었습니다.

메리 카사 트 (1844-1926)

그녀는 인상파 이상으로 자신을 키우며 프랑스에서 대부분의 삶을 보냈던 미국 국적의 화가였습니다. 그녀는 예술계에 그녀를 소개 한 Edgar Degas와 친구였습니다.

그의 그림의 주제는 특히 여성의 일상 생활과 사회 생활에 중점을 두었습니다. 그녀가 가장 좋아하는 주제 중 하나는 모성과 자녀였습니다.

이것은 그의 작품 인 Motherhood (1890), Children on the beach (1884), Jules가 그의 어머니 (1900), Madame Meerson과 그녀의 딸 (1899)에 의해 말렸다. Cassatt가 사용한 색상 팔레트는 매우 다양했습니다. 그는 파스텔 색상에서 갈색 및 회색과 같은 어두운 톤까지 사용했습니다.

해변의 아이들, Mary Cassatt. wikimedia commons를 통해.

에두아르 마네 (1832-1883)

프랑스에서 인상주의에 대한 가장 위대한 언급 중 하나입니다. Diego de Velázquez를 발견하고 Monet과 같은 다른 예술가를 다루기 시작하면서 그의 작품은 인상파 운동의 색조를 채택하기 시작했습니다. Tuileries, Olympia 또는 The Balcony의 음악은 그의 가장 뛰어난 작품 중 일부입니다.

에드가 드가 (1834-1917)

그는 자신이 그 흐름과 거리를 두었지만 인상주의의 촉진자 중 한 명이었습니다. 그의 스타일은 특정 인물과 그룹 모두에서 자발성을 포착했기 때문에 매우 특별합니다. 그는 Delacroix 기술을 보여 주었고 그의 가장 주목할만한 작품 중 일부는 Male Nude (1856), The Rape (1869) 또는 The singer with gloves (1878)였습니다.

스페인의 인상파

스페인은 인상파 흐름을 가장 많이 그린 유럽 국가 중 하나였습니다. 사실, 많은 스페인 예술가들은 새로운 트렌드에 대해 배우고 영감을 얻기 위해 프랑스를 방문했습니다.

스페인 화가들은 인상파에서 풍경과 자연 환경에 대한 취향을 받아 들였습니다. 또한 느슨한 브러시 스트로크와 눈에 띄는 색상. 그러나 각각 고유 한 관점을 추가했습니다. 이것은 Joaquín Sorolla와 Darío de Regoyos y Valdés의 스타일에서 볼 수 있습니다.

호아킨 소 롤라이 바스 티다 (1863-1923)

그는 2,200 개의 그림을 그린 매우 성공적인 화가였습니다. 그의 스타일은 주로 인상파이지만 포스트 인상파와 루미 니스트 운동의 특성을 가지고 있습니다.

Sorolla는 그의 작품 Niños en la playa (1910), Paseo por la playa (1909) 및 Raquel Meller (1918)의 초상화에서 볼 수있는 파스텔 팔레트를 사용했습니다. 그러나 그는 또한 빨간색과 갈색 색조를 사용했습니다. 이것은 그의 자화상 (1909)에 나와 있습니다.

다리오 데 레고 요스이 발데스 (1857-1913)

그는 인상파 스타일의 스페인 화가였으며 점묘주의와 상징주의도 실험했습니다. 그의 작품의 색상은 매우 다양했습니다. 예를 들어, 그의 그림 Almond Blossom (1905)에서 그는 밝은 파란색과 녹색 팔레트를 사용했습니다. 반면, 오르 두냐의 성 금요일 (1903) 작품에서 그는 갈색 톤으로 구성된 어두운 색을 사용했습니다.

아우렐 리아 노 데 베루에 테 (1845-1912)

회화에 전념 할 수있는 기회를 가졌던 상류층 남자. 그의 가장 주목할만한 무대는 인상파로, 그는 예술가로서의 성숙에 도달합니다. 사과 나무 (1908), 마드리드의 가을 (1910), 꽃의 가시 (1911).

이그나시오 피나 조 (1849-1916)

발렌시아 인, 그는 로마에서 훈련 할 장학금을받을 수있었습니다. 그의 귀환 당시 그의 주제는 역사적 인물이나 발렌시아 타이 피즘의 작품으로 다양했습니다. Las hijas del Cid (1879) 또는 Estación (1896)과 같은 그림에서는 어두운 색상이 두드러집니다.

멕시코의 인상파

스페인 예술가와 마찬가지로 멕시코 화가도 프랑스의 흐름에 영향을 받았습니다. 그러나이 나라의 예술가들은 멕시코의 지역 및 문화적 장면을 그림에 추가했습니다. 이것은 Joaquín Clausell의 작품에서 볼 수 있습니다.

호아킨 클라우 셀 트라 코니스 (1866-1935)

그는 활동가이자 변호사로 일한 멕시코 화가였습니다. 그의 작품은 인상 주의적 성격이었고 멕시코의 풍경에 초점을 맞추 었습니다. 그가 프랑스를 여행했을 때 그는 Camille Pisarro와 작가 Émile Zola와 같은 중요한 예술가를 만날 수 있었으며 그의 화보 직업에서 그를 자극했습니다.

그의 그림은 엄격히 조경이었다. 이것은 그의 작품 Landscape with forest and river (1910)에서 볼 수 있는데, 작가는 인상파 붓놀림을 사용하여 물과 나뭇잎의 움직임을 포착합니다.

나중에 인상파 기법이 Diego Rivera (1886-1957)와 Frida Kahlo (1907-1954)와 같은 위대한 멕시코 예술가들에게 영감을 주었다는 점에 주목하는 것이 중요합니다.

아르헨티나의 인상파

19 세기와 20 세기 동안 아르헨티나에는 프랑스 기술의 영향을받은 유명한 예술가들이있었습니다. 이것은 회화 분야뿐만 아니라 문학에서도 일어났습니다.

멕시코 인과 마찬가지로 아르헨티나 예술가들은 인상파 원칙을 취하여 국가와 문화의 요구에 맞게 조정했습니다. 이것은 Martín Malharro와 Ramón Silva의 작품에서 볼 수 있습니다.

마르틴 말하로 (1865-1911)

Malharro는 아르헨티나 풍경의 아름다움을 묘사하기 위해 인상파 기법을 사용하는 아르헨티나 화가였습니다. 색상 팔레트 중 녹색, 파란색 및 노란색 톤이 두드러졌습니다. 이것은 Las Parvas (1911)로 알려진 그의 가장 유명한 그림 중 하나에서 볼 수 있습니다.

이 색상은 여러 개의 잎이 많은 나무로 구성된 풍경과 푸른 지붕이있는 겸손한 집으로 구성된 Nocturno (1911)라는 그의 작품에서도 볼 수 있습니다.

라몬 실바 (1890-1919)

Ramón Silva는 Martín Malharro의 학생 이었으므로 그의 작품은 교사의 스타일에 영향을 받았습니다. 1911 년에 그는 네덜란드, 스페인, 벨기에, 스위스를 방문하여 유럽 대륙을 여행했습니다. 그는 또한 4 년 동안 파리에서 공부할 수있었습니다.

Silva는 그의 다채로운 풍경으로 돋보였습니다. 그의 가장 인기있는 작품 중에는 Palermo (1918) 그림이 눈에 띕니다. 작가는 분홍빛, 녹색, 노란색 및 파란색 톤의 사용에 중점을 두었습니다. 이 아티스트의 붓놀림은 매우 흐릿한 것이 특징입니다.

페르난도 페이더 (1882-1935)

그것은 아르헨티나 운동의 세균이었습니다. 보르도에서 태어난 이것은 그에게 독일 인상주의에 매료되어 유럽의 트렌드를 만끽할 수있는 기회를주었습니다.

그는 아르헨티나에서이 운동을 소개하고 싶어서 전시회를 조직하고 카르 나치 니나 드레스 코와 같은 아르헨티나 매너로 구성된 넥서스 그룹을 구성했습니다.

그의 가장 중요한 작품은 마닐라 숄, 여성 연구, 돼지 사료, 만틸라입니다.

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